Armstrong

“JAZZ ON A SUMMER’S DAY”: LA MÚSICA SERÁ BELLA O NO SERÁ

Aunque pueda parecer que Bert Stern se había sacado la oposición a la posteridad gracias a la célebre última sesión de fotos que le hizo a Marilyn Monroe en agosto de 1962, seis semanas antes de que muriera el mito, en realidad este fotógrafo neoyorquino ya había conseguido su plaza para la Historia en 1960: ese fue el año en el que se estrenó “Jazz on a summer’s day”, el primer documental sobre un festival de música que se conoce. Así que, además de por capturar los mimos postreros de una actriz de leyenda a un paso de la desaparición, Bert Stern también es inmortal por haber inaugurado un género de películas. Él, junto a Aram Avakian, fue el comadrón que asistió el parto del cine sobre documentales de música, vamos.

Es posible que las condiciones para que se produzca semejante alumbramiento requieran de un creador que no esté versado precisamente en las artes del cine, del documental, del periodismo o de la música. La mirada externa, el intrusismo feliz y la insensatez de un novato a veces deparan joyas como ésta. Si se decide que un fotógrafo de moda como Bert Stern sea el que deje testimonio de la edición de 1968 del Newport Jazz Festival de Rhode Island, es de esperar que su mirada no vaya a ser convencional. Y, efectivamente no lo es en absoluto: casi como si fuera un feliz accidente no programado, Stern se fija más en el aspecto ultra-cool de los asistentes al evento, en los músicos participantes cuando no están en el escenario tocando, si no cuando están paseando por el recinto o asistiendo a otras actuaciones, en los yates que disputaban la Copa América en la misma localización en paralelo al festival o en los colores, luces e instantáneas de joie de vivre y/o dolce far niente de un día de verano en la región de Nueva Inglaterra de Estados Unidos.

Esta inclinación tan particular, tan de esteta, a menudo ha sido acusada de preciosista. Es posible. Pero quizá era necesario un gesto artístico de estas características para dar carta de naturaleza al género naciente. ¿Por qué? Pues porque trascendía. Porque desbordaba sus propios márgenes (¿o quizá los establecía?). Porque ofrecía algo distinto, mucho más ambicioso artísticamente, a las grabaciones de los noticiarios sobre eventos musicales, a los documentos audiovisuales de los estudiosos de antropología sonora o a las actuaciones musicales que en aquella época se registraban para televisión. Ofrecía, en definitiva, estilización y posibilidades.

La parte estética de este film es tan importante, pues, como la musical. Bert Stern, por si no ha quedado claro, buscaba la gran belleza que se deriva de la música. Así que casi se podría tener “Jazz on a sumer’s day” puesta en la televisión de casa en bucle, sin volumen, como si fuera un cuadro. Esta es la dimensión que hace a esta película tan atractiva y seductora, incluso, para un público al que no le guste el jazz, no le guste la música, no le gusten los documentales o no le guste el cine. Vamos, que es imposible que este documental no endulce el ojo de quien lo ve.

Pero, bueno, ¿y la música qué? Porque “Jazz on a summer’s day”, si se contempla con volumen, por supuesto, gana muchísimo. Las actuaciones del Chico Hamilton Quintet, de Louis Armstrong, de Gerry Mulligan o de Mahalia Jackson son de alto copete. También la de Thelonius Monk, pero buena parte de su comparecencia sirve de excusa para un montaje de imágenes de veleros. De nuevo, la belleza antes que la descripción puramente expositiva. No obstante, hay un momento en el que Bert Stern sí se da cuenta de que lo que está pasando en el escenario es irrefutablemente hermoso: Anita O’Day se planta delante de un micro añejo con vestido sin mangas negro y carmín rojo, pamela bicolor y guantes largos blancos. En ese instante, ella es lo único que importa. Casi no hay ni un solo plano de los músicos que lleva detrás. ¿Para qué? Su sola estampa ya es la viva imagen de la elegancia hecha música. Estos planos, además, fijaron el look de Anita O’Day para los restos. De hecho, el también magnífico documental “Anita O’Day: the life of a jazz Singer”, que hicieron Robbie Cavolina & Ian McCrudden en el 2007, los usa indiscriminadamente para embellecer sus acabados.

Es curioso como este documental sobre un festival de jazz ha acabado siendo el punto de fuga de todos los documentales sobre festivales de rock que vinieron después (y la presencia de Chuck Berry entre las actuaciones que acabaron dentro de la película no parece motivo suficiente). Pero es que aquí se encuentra todo el ADN de los documentales sobre festivales: la ausencia de narración verbalizada, el montaje en paralelo de los músicos sobre el escenario y el público, la crónica impresionista de ambiente, la música como hilo conductor, el intento de capturar un espíritu más allá de los hechos objetivos… Todos estos elementos aparecieron aquí por primera ocasión y se replicaron millones de veces después. Por utilizar una paráfrasis bíblica: en el principio, fue “Jazz on a summer’s day”. En otras, palabras, esta película es el génesis.

Joan Pons

Polock CABECERA Carles.Rodrigo

POLOCK: “ESTAMOS CONTENTOS DONDE ESTAMOS”

Han tardado cuatro años en dar continuidad a “Getting Down From The Trees”, su exitoso debut, pero el 1 de abril se publica “Rising up”, la segunda entrega de los valencianos Polock. Papu Sebastián, su cantante y compositor principal, habla sobre un disco que debe consolidar su posición tanto en España como en la escena internacional, y que les va a llevar a festivales como Arenal Sound, San San, 101 Sun o Ebrovisión..

¿Por qué ha pasado tanto tiempo entre un disco y otro?

No supimos parar y empezar a grabar nuevas canciones. Era la primera vez que sacábamos un disco, salíamos de gira o teníamos trato con compañías discográficas, así que todo era nuevo para nosotros. El primer álbum se editó en distintas partes del mundo y estuvimos casi dos años presentándolo en directo. Pasamos mucho tiempo tocando y, de repente, nos dimos cuenta de que había que empezar de cero. Yo no he sabido componer estando de gira, es complicado.

¿Y a partir de empezar a escribir las canciones?

Pasamos algo más de un año trabajando en las maquetas, y luego casi seis meses para hacer el disco en el estudio de grabación. Fue el tiempo que necesitamos, y eso que, cuando entramos a grabar, los temas estaban muy pulidos, prácticamente terminados, pero nos centramos mucho en el sonido y en conseguir exactamente lo que queríamos, y la verdad es que nos llevó tiempo.

El primer disco obtuvo bastante repercusión. ¿Habeis sentido presión al poneros a trabajar de nuevo?

La presión que tenemos es interna. Nos metemos mucha caña entre nosotros para conseguir un nivel muy alto, pero nunca pensando en lo que diga la gente. Es algo que surge de la necesidad de lograr hacer algo bueno y sacar un trabajo que sea igual o mejor que el anterior.

Con vuestro debut viajasteis a muchos países. ¿Con qué resultados?

Fue solo una primera toma de contacto, pero Japón ha sido uno de los sitios donde más discos hemos vendido. Y notamos mucho apoyo en internet. Es distinto, va más lento que en España, porque es territorio desconocido para nosotros, pero cuando hemos tocado en Francia o Inglaterra notamos que el público conocía al grupo, e incluso se sabía las canciones.

¿Vais a repetir con este disco?

Sí, va a salir en Canadá, México, Estados Unidos o Japón, pero esta vez se editará al mismo tiempo en todas partes, por lo que el impacto será mayor, mientras que antes estábamos más a la expectativa. Esta vez ya tenemos cerrada la agenda.

El primero se grabó en Berlín, pero esta vez lo habéis hecho en casa. ¿Se nota el cambio?

Mucho. Elegimos Valencia porque grabamos casi en verano y disponíamos del estudio de Fernando Boix, un amigo que tiene un material increíble. La única condición era no volver a nuestras casas al terminar la jornada de trabajo, como solíamos hacer con las maquetas. Alquilamos un apartamento con piscina y frontón en La Cañada (zona residencial a 5 kilómetros de la capital), y después de cada sesión nos refugiábamos allí. Las canciones suenan muy diferentes y se nota que están trabajadas a otro nivel.

¿Veis el disco muy distinto del otro?

Sí, es bastante más complejo a nivel musical y hemos usado instrumentos muy diferentes a los del primero. Aquel era más guitarrero, mientras que en este hemos trabajado mucho las capas, usando teclados y sintetizadores, cajas de ritmos, mezclando baterías naturales y electrónicas… Hemos notado un cambio natural a partir del anterior disco.

Los teclados marcan la diferencia. En “Memories of Lu”, por ejemplo, son típicos de los ochenta. ¿Ha sido una referencia esa década?

Sí. Antes de la grabación escuché muchos discos de los ochenta y de grupos que utilizaban esa clase de sintetizadores, como Imagination. Compré bastantes vinilos suyos. También algunos de Michael Jackson que nos gustaban mucho. Y tuvimos la suerte de acceder a un montón de instrumentos analógicos antiguos, con los que pudimos jugar durante la grabación.

Un disco de sonido retro e instrumentación vintage. Es decir, plenamente de moda, ¿no?

Todo vuelve. Son instrumentos que tuvieron su momento y marcaron muchos discos que en la época sonaban muy nuevos.

Hace unos años, Imagination o Michael Jackson eran lo menos moderno del mundo. Sin embargo, los admitís como influencia en un disco que, además, tiene guiños funky. ¿La clave es no tener prejuicios?

De hecho, “Tangles”, una de nuestras favoritas, surgió a partir de “Dangerous”, de Michael Jackson. Teníamos la melodía, pero los arreglos salieron a raíz de los pads de batería que se usan en el disco.

Otro tema se titula “Hockney”. ¿Es una broma sobre pintores, teniendo en cuenta que vuestro nombre es un guiño a Jackson Pollock?

Sí, es otro de los pintores cuya obra nos encanta, especialmente un par de cuadros suyos en los que aparece gente de clase alta en una piscina gigante. Eso me inspiró para hablar en la letra de cierta burguesía burgesía kitsch y bastante pija.

El primer disco suscitó comparaciones con Phoenix. ¿Os molestan?

Es inevitable. Todo el mundo, incluso nosotros mismos, aludimos a otros grupos cuando escuchamos algo y se lo queremos explicar a alguien. Es la manera más rápida de hacerlo. No nos preocupa. Y si nos comparan con grupos de esa talla, pues bienvenido sea.

¿Cómo le explicarías “Rising up” a quien no lo haya oído?

Es complicado (risas)… Quizá diría “afilado como la punta de un diamante”, o algo así. Es un disco más complejo que el anterior, pero tampoco lo aparenta en la primera escucha. Siguen siendo temas directos, pop, para bailar, con toques funky. Es un disco más maduro, que igual resulta complicado al principio, pero a base de escuchas terminas disfrutándolo mucho.

Vuestro sello lo define como “pop deliberadamente cool, diseñado para bailar”. ¿Lo suscribes?

Es otra manera de decirlo (risas). Lo que hay que hacer con la música es escucharla. Eso es lo bueno que tiene.

Recientemente te has instalado en Madrid, mientras el resto del grupo sigue en Valencia. ¿Es fácil mantener la relación en la distancia?

La comunicación es la misma, con la salvedad de que no estoy en Valencia de manera permanente. Ahora somos más efectivos para ensayar: quedamos menos días, pero vamos más al grano. Nos organizamos las agendas y yo bajo cada par de semanas.

¿Hay que estar en la capital para hacer carrera musical en España?

La perspectiva cambia mucho, sobre todo en un momento tan importante como el de la salida de un disco, porque hay que cuadrar muchas cosas. Es más sencillo reunirse en la oficina que estar hablando por mail todo el tiempo. Ayuda a entenderse mejor. Y, por otra parte, también me apetecía cambiar de aires y buscar cosas diferentes.

Este año tocais en el Arenal Sound, San San, 101 Sun o Ebrovisión. En los festivales aún no sois cabeza de cartel, pero tampoco unos recién llegados. ¿Es una posición cómoda, con menos responsabilidades?

Bueno, no nos importaría cargar con esas responsabilidades, la verdad (risas). Pero estamos contentos donde estamos. Creemos que es nuestro sitio por el momento, y está bien así. En los festivales trabajamos el setlist y la puesta en escena, e intentamos cuidar el tratamiento de las luces de manera diferente. No es lo mismo estar en una sala pequeña, más íntima, donde puedes enlazar dos temas lentos, que tocar en un festival, porque en cuanto bajas un poco el ritmo, la gente se cambia de escenario.

Eduardo Guillot

Fotos: Carles Rodrigo

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EL BILBAO BBK LIVE, POR DÍAS

El Bilbao BBK Live, que se celebrará entre el 10 y el 12 de julio en las campas de Kobetamendi, ha anunciado la distribución de las actuaciones por días del festival, y así, Franz Ferdinand será el grupo principal de la primera jornada, The Prodigy el del segundo día, y The Black Keys el del sábado 12 de julio.

Asimismo, según han informado desde Last Tour International, ya se pueden comprar las entradas para cada día del festival, que cumple su novena edición, a un precio de 52 euros más gastos de distribución (6 euros).

De esta manera, Franz Ferdinand encabezará la jornada del jueves 10 de julio, y estarán acompañados durante ese primer día por artistas como, entre otros, Phoenix, Vetusta Morla, Crystal Fighters, John Newman o White Lies.

El viernes día 11 será el día de The Prodigy, junto a Jack Johnson, Imagine Dragons, Foster The People, Conor Oberst o Dawes, entre otros, mientras que la última jornada, la del sábado 12 de julio, tendrá como cabeza de cartel a The Black Keys, además de contar con las actuaciones de MGMT, The Lumineers, Los Enemigos, Skaters o Dorian, entre otros.

Las entradas de día tienen un precio de 52 euros más gastos de distribución (6 euros) y el nuevo precio del bono de tres días, desde el pasado miércoles, es de 105 euros más gastos (6 euros). Aquellas personas que quieran acceder a la zona de acampada tendrán que abonar 5 euros adicionales.

Foto: Andy Knowles

Villalobos cabecera

RICARDO VILLALOBOS: ALQUIMIA MINIMALICIOSA EN WOLVESTOWN

Según define el diccionario de la Real Academia Española de la Lengua, alquimia es el conjunto de especulaciones y experiencias, generalmente de carácter esotérico, relativas a las transmutaciones de la materia, que tuvo como fines principales la búsqueda de la piedra filosofal y de la panacea universal. También se encuentra el siguiente significado: transmutación maravillosa e increíble. No me pregunten cómo ni por qué (el cuándo y el dónde lo encontrarán en la web de Electrosnow 2014), pero una sesión en directo del chileno Ricardo Villalobos podría representar una versión moderna de esas maravillas volátiles que fabricaban los alquimistas medievales entre fraguas y pucheros.

Y es que Ricardo Villalobos trabaja con materiales parecidos, no me digan. Sus pócimas minimaliciosas, como él mismo ha llegado a referirse con ingeniosa ironía al estilo en el que suelen encasillarle, léase, el borrosamente denominado minimal techno, producen similar efecto de transmutación, si no en la materia, que también (¡esos cuerpos sudorosos!… el suyo incluido: sus lógicas ojeras tras sesiones de hasta ocho horas ininterrumpidas le delatan), sí en las mentes del gentío danzante que se apelotona alrededor de este mago de los platos y los controladores.

Pero si alguien se lo pasa bien en directo, es el propio Ricardo Villalobos, jugando a integrar en sus sets sonidos de diversa procedencia con predominio de los ritmos exóticos (latinos o no), sobre espaciosas bases techno que va dosificando de aromas y colores en un crescendo sostenido que vuelve loco al transpirado público. Como un Ferrán Adriá del tempo (elijan ustedes el cocinero, pero tiene que ser bueno), y aquí llega el segundo símil del texto (pido perdón sin hacerme demasiadas ilusiones), Villalobos se desenvuelve con gesto grácil pero efectivo en la cocción de un clímax que llega poco a poco, a veces de repente, en secuencia de apariencia aleatoria (la improvisación es uno de sus fuertes).

El sudamericano de educación germánica suele ser el tipo más viejo del local (a mucha honra por lo que me toca), pero lo que interesa no es la estrella sino la luz que desprende. En esto se basa precisamente la democracia del techno: una ilusión en la que el receptor cree participar en mística sinergia con el emisor. Igual que el rock’n’roll, pero sin letras. Y allí sigue danzando Ricardo, entre vinilos, laptops y auriculares, en un non-stop erotic rhythm and sound que acaba envolviéndote, digamos que minimaliciosamente.

Entre fiesta y fiesta, este incansable chileno de 43 años también encuentra tiempo para crear en el estudio (temas propios y remezclas, ambas normalmente de extensísima duración). Si bien desde mediados de los años noventa Villalobos entregó numerosos maxis para sellos como Frisbee Tracks, Perlon o el propio Placid Flavour, su entrada triunfal en el panorama discográfico serio (aquel que solo considera digno de reseñar un álbum), se produjo con el recordado Alcachofa (Playhouse, 2003).

Sus trabajos, a menudo experimentales pero que siempre combinan magistralmente melancolía y hedonismo (quizás en parte consecuencia de la historia personal de su familia, que tras el golpe de estado de Pinochet tuvo que exiliarse en Frankfurt), desde entonces han mantenido un alto nivel de exigencia. El último hasta la fecha, Dependent And Happy (Perlon, 2012), nos muestra a un artista con las neuronas en perfecto estado, elaborando una nueva receta de techno orgánico (con mogollón de carbono, vamos), y sí, minimalista a pesar del hastío que transmite el manido término. Voces, xilófonos, glitches variados, un claxon, teclados, percusiones… El sonido de lo cotidiano que promulgara Herbert en su día, pero a 128 bpm… En 2007 declaró a la revista británica The Wire: “Los 128 bpm te sacan de tu tiempo normal, algunas veces, por supuesto, con la ayuda de ciertas “ayudas técnicas”, pero la principal ayuda técnica es la música”.  Gran eufemismo.

¿Qué convierte los ingredientes de Villalobos en pasto del minimal techno? La repetición, la construcción progresiva, la ausencia de melodía, el desarrollo subyacente, la simplificación estructural… Ustedes dirán, que son los expertos. O consulten la Wikipedia. Pero para aclararnos (o confundirnos) un poco más, en el caso de Ricardo Villalobos su techno minimalista no es serio, ni aburrido, ni fácil, ni edulcorado. Está basado en el desarrollo de estructuras que respiran en lugar de ahogarse en su propia repetición. Y eso es mucho. No estará asegurada la panacea universal, ni el hallazgo de la piedra filosofal, pero sí el placer terrenal de lo bueno y lo distinto. Lo mejor es escucharlo. Y si puede ser, bailarlo. Mientras el cuerpo aguante.

José Manuel Caturla

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ARMIN VAN BUUREN, ENTRE LAS NUEVAS CONFIRMACIONES DE DREAMBEACH VILLARICOS

El DJ y productor holandés de música trance Armin van Buuren es la principal novedad de la nueva tanda de confirmaciones del festival Dreambeach Villaricos, cita electrónica tendrá lugar los días 8 y 9 de agosto en las Cuevas del Almanzora (Playa de Villaricos).

En la vanguardia de la escena techno desde mediados de los noventa, Armin van Buuren es el mascarón de proa de una lista que también incorpora a Agoria, Benny Page, Brian Cross, GoMad! & Monster, La Musique d’Ordinateur y Matthias Tanzmann, entre otros. La cita electrónica tendrá lugar los días 8 y 9 de agosto en las Cuevas del Almanzora (Playa de Villaricos), y que se suma a la de los ya confirmados Snoop Dogg aka Snoop Lion, Carl Cox, con un special 3h set, Richie Hawtin, Knife Party o las actuaciones en exclusiva en festivales en España en 2014 de artistas como Krewella, W&W o Netsky Live.

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VOLCANO CHOIR: OTOÑO EN EL PRIMAVERA

La noticia llegó en mayo de 2013. Pese al gran éxito cosechado con Bon Iver, su proyecto de mayor calado, Justin Vernon aseguraba que en septiembre se publicaría “Repave”, el segundo LP de Volcano Choir, la banda que comparte con los miembros de la formación post-rock Collections of Colonies of Bees. También anunciaba que saldrían de gira por primera vez para recorrer Estados Unidos. Bon Iver queda, de momento, en suspenso. “Tenemos una inmejorable oportunidad de que Bon Iver sea algo especial, incluso desde el punto de vista de la industria, simplemente tratando de hacer las cosas de la mejor manera posible. Todos los grupos venden camisetas y tocan en ciertos auditorios, pero yo estoy cansado de ser como los demás, porque no lo soy. Creo que necesito tomarme un largo descanso. Durante el último mes, he empezado a barajar opciones que se acomodan con la idea de futuro que tengo para el proyecto. No quiero brillantes luces de flashes, en plan ‘¡Aquí llega el nuevo disco de Bon Iver!’ Deseo que continúe siendo algo íntimo, pero va a llevar un tiempo que la gente lo entienda”, ha declarado Vernon.

Así que no vale la pena perder el tiempo lamentándose. Bon Iver volverá cuando lo crea conveniente. Mientras, el consuelo llega con “Repave”, el mayúsculo álbum que reactiva a Volcano Choir y rebate su posible condición de proyecto menor, al tiempo que amplía los territorios explorados en su debut. Entonces apostaron por un sonido que entroncaba con el folk en su vertiente más atmosférica, y esta vez se aventuran por espacios en los que la épica tiene un papel similar al que ha desempeñado en bandas como Broken Social Scene, hecho con el que el periodista Ryan Dombal (Pitchfork) enfrentó a Vernon en una entrevista, planteando si, de algún modo, Volcano Choir estaba devolviendo ese tono grandilocuente al indie rock contemporáneo. “Yo no crecí escuchando indie rock”, afirmaba el cantante. “He oído bandas catalogadas como tal, pero creo que el término está muerto y carece de interés. El indie rock es un terreno tan susceptible, si no más, como todas las cosas relacionadas con la música que tienen que ver con gente convertida en payasos preocupados solo por el dinero y la imagen. No me interesa formar parte de eso”.

Sexo y muerte

“Repave” ha sido un disco elaborado a lo largo de tres años, que ha servido para estrechar lazos entre Justin Vernon y el resto de miembros del grupo (Jon Mueller, Matthew Skemp, Chris Rosenau, Daniel Spack y Thomas Wincek), así como para concretar las líneas argumentales de las canciones, resumidas en Alaskans, un tema que se cierra con un recitado del escritor Charles Bukowski sobre la muerte. “Es de una lectura que hizo en la televisión francesa”, explica Vernon. “Lo vi por primera vez en el documental ‘Bukowski: Born into this’ (John Dullaghan, 2003) y jamás lo olvidé. El poema empieza con él hablando sobre ducharse con una mujer  que le lava los huevos, con su crudeza expositiva habitual, pero al final está muy borracho y se pone a llorar, no puede seguir. Es un hombre increíblemente fuerte que se da cuenta de que es débil y pequeño. Un día estaba muy colocado, medio viendo SportsCenter en la tele y escuchando de fondo Alaskans, cuando, de repente, me di cuenta de que la parte final tenía que incluir ese poema de manera específica. Estábamos casi en la fase de producción, así que tuvimos que llamar a su viuda para conseguir los permisos necesarios y eso retrasó el trabajo varios meses, pero me encanta ese momento del disco. De hecho, hay un sentimiento muy afín a Bukowski en algunas letras del disco, bastante relacionadas con el sexo. Soy bastante tímido cuando me relaciono con las mujeres y el sexo, pero el modo en que él lo abordaba es bueno, porque todo el mundo tiene ese tipo de impulsos animales”.

Por la singularidad

Aunque no ha tocado ni un solo instrumento, resulta imposible desligar “Repave” de la personalidad de su cantante. Justin Vernon se ha convertido en un icono de la música actual precisamente por tomar siempre direcciones inesperadas, arriesgar y evitar el conformismo. Y el disco de Volcano Choir es un ejemplo de su manera de afrontar la vida. “No creo ser más importante que nadie, pero es raro ver las deciciones que toma la gente, a nivel cotidiano o en un contexto musical. Siempre se olvidan de que ser único es la respuesta. Ser tú mismo y encontrar una idea. Como Steve Jobs: ‘Piensa diferente’. Apple ya no piensa diferente, son peores cada día, se puede ver la transición fácilmente. Y es lo mismo con la música y las bandas que graban un estupendo primer disco pero luego hacen otro que es una mierda porque tienen miedo y lo que desean es dinero y seguridad. Busco a aquellos a quienes todo eso les importa un comino. Solo les preocupa la gente que les rodea y dedicarse a continuar buscando”.

EL hombre de las mil caras

Cuando Justin Vernon dejó noqueada a la escena internacional con el debut de Bon Iver, “For Emma, Forever ago” (2008), todo el mundo comenzó a buscar en su pasado. Y no fue complicado encontrarse con DeYarmond Edison, la banda que había compartido con Brad Cook, Joe Westerlund y Phil Cook, quienes se arreglaron bien sin él y pusieron en marcha Megafaun.

“Bon Iver, Bon Iver”, el segundo álbum de Vernon, llegó en 2011. Pero durante los tres años que transcurrieron entre ambos desplegó una actividad digna de estudio. En 2005 ya había empezado a trabajar con Volcano Choir, pero fue en 2009 cuando se editó su debut discográfico, “Unmap”. Además, mantuvo otro grupo paralelo, Gayngs, con el que publicó Relayted en 2010. Como Bon Iver, regaló a sus fans el Ep “Blood Bank” (2009), y se lanzó a una vorágine de colaboraciones que incluyen un tema junto a St. Vincent (Roslyn) para la banda sonora de “Luna nueva” (de la saga Crepúsculo) y su participación como invitado en discos de Anaïs Mitchell, All Tiny Creatures, Lia Ices, Sean Carey (batería y teclista de Bon Iver) y The National (se le puede escuchar en “High violet”). Sin olvidar la canción que cedió en 2009 para el recopilatorio benéfico “Dark was the night” (titulada “Bracket, WI”) o su contribución a “My dark twisted fantasy” (2010), de Kanye West, quizá la más sorprendente de todas por tratarse de un artista hip hop, inicialmente alejado de la sensibilidad folk de Vernon, para quien no existen las fronteras genéricas (como demuestra que usara el Auto-Tune, supuestamente reservado a los artistas electro, en el tema “Woods”).

En 2010 estrechó lazos con Peter Gabriel (que le había versioneado en “Scratch my back”) grabando una de sus canciones: ”Come talk to me”. Añadan que también ha grabado a su nombre y como Mount Vernon, y con Eau Claire Memorial Jazz Ensemble y The Shouting Matches, y pregúntense cuándo encuentra este hombre tiempo para dormir.

Eduardo Guillot

 

Cabecera Lollapalooza

RESUELTO EL MISTERIO DEL LOLLAPALOOZA 2014

La cuarta edición chilena de Lollapalooza tendrá lugar los días 29 y 30 de marzo, con Red Hot Chili Peppers, Soundgarden, Arcade Fire, Nine Inch Nails, Pixies, Phoenix, Vampire Weekend y New Order entre sus artistas más destacados. La mayoría de nombres se repiten en la primera edición argentina, que se celebra el 1 y 2 de abril, mientras que la brasileña, que será la tercera, llegará el 5 y el 6 de abril.

Hasta agosto habrá que esperar para el Lollapalooza estadounidense, que tendrá lugar en Chicago y ya cuenta con cartel oficial, puesto al descubierto pocas horas después de que se hiciera público su misterioso diseño.

He aquí el listado de artistas que participarán en el festival:

  • EMINEM
  • OUTKAST
  • KINGS OF LEON
  • ARCTIC MONKEYS
  • SKRILLEX
  • CALVIN HARRIS
  • LORDE
  • THE AVETT BROTHERS
  • FOSTER THE PEOPLE
  • ZEDD
  • SEBASTIAN INGROSSO
  • KREWELLA
  • NAS
  • ABOVE & BEYOND
  • CHILDISH GAMBINO
  • BROKEN BELLS
  • SPOON
  • THE HEAD AND THE HEART
  • CAGE THE ELEPHANT
  • YOUNG THE GIANT
  • CHASE & STATUS
  • INTERPOL
  • LYKKE LI
  • CHANCE THE RAPPER
  • PHANTOGRAM
  • CUT / COPY
  • FLOSSTRADAMUS
  • FITZ & THE TANTRUMS
  • GROUPLOVE
  • CHVRCHES
  • THE GLITCH MOB
  • PORTUGAL.THE MAN
  • GRAMATIK
  • CHROMEO
  • DARKSIDE
  • THE 1975
  • DIMITRI VEGAS & LIKE MIKE
  • REBELUTION
  • GLEN HANSARD
  • JENNY LEWIS
  • MANCHESTER ORCHESTRA
  • GESAFFELSTEIN
  • JOHN BUTLER TRIO
  • FLUME
  • MARTIN GARRIX
  • AFI
  • J. RODDY WALSTON & THE BUSINESS
  • THE KOOKS
  • TROMBONE SHORTY & ORLEANS AVENUE
  • RUN THE JEWELS
  • THE AIRBORNE TOXIC EVENT
  • RUDIMENTAL
  • PHOSPHORESCENT
  • DUKE DUMONT
  • LONDON GRAMMAR
  • THE TEMPER TRAP
  • IGGY AZALEA
  • JOACHIM GARRAUD
  • BOMBAY BICYCLE CLUB
  • WHITE DENIM
  • TYPHOON
  • Z-TRIP
  • WARPAINT
  • KATE NASH
  • KODALINE
  • SANDER KLEINENBERG
  • VANCE JOY
  • LUCIUS
  • BLOOD ORANGE
  • RICH HOMIE QUAN
  • PERRY/ETTY VS JOACHIM GARRAUD
  • DELTA RAE
  • RAC
  • JAGWAR MA
  • PARQUET COURTS
  • GTA
  • JHENÉ AIKO
  • TEMPLES
  • SMALLPOOLS
  • JUNGLE
  • KONGOS
  • NONONO
  • WILDCAT! WILDCAT!
  • PAPA
  • GEMINI CLUB
  • THE DISTRICTS
  • VIC MENSA
  • CRIZZLY
  • BOMBA ESTÉREO
  • FRANCISCA VALENZUELA
  • BLEACHERS
  • INTO IT. OVER IT.
  • HEROBUST
  • COURTNEY BARNETT
  • SAN FERMIN
  • ROYAL BLOOD
  • RATKING
  • BEAR HANDS
  • ROADKILL GHOST CHOIR
  • MEG MYERS
  • KAUSEA
  • BRILLZ
  • BRONZE RADIO RETURN
  • THE SO SO GLOS
  • CASH CASH
  • JACOB PLANT
  • LINDSAY LOWEND
  • JOYWAVE
  • BEBE REXHA
  • DESERT NOISES
  • BETTY WHO
  • JON BATISTE AND STAY HUMAN
  • BENJAMIN BOOKER
  • FLY GOLDEN EAGLE
  • DUGAS CRASS MAMMOTH
  • THE LAST INTERNATIONALE
  • WALLPAPER.
  • JOHNNYSWIM
  • CARDIKNOX
  • CHARLIE HIRSCH
  • BAGHEERA
  • SPACE CAPONE
  • OF VERONA
  • ANNA LUNOE
  • HIGHLY SUSPECT
  • PLASTIC VISIONS
  • OYINDA
  • ROCKY BUSINESS
Scorpions

SCORPIONS: METAL PESADO PARA EL AZKENA ROCK FESTIVAL

La banda alemana de hard rock Scorpions ha incluido el Azkena Rock Festival 2014 de Vitoria, que se celebrará en el recinto de Mendizabala los días 20 y 21 de junio, dentro de su gira “Rock ‘n’ Roll Forever Tour”, y así, pasa a ser el segundo cabeza de cartel del festival, tras Blondie, según han informado desde Last Tour International.

Scorpions han vendido más de 160 millones de discos en todo el mundo, han ofrecido más de 5.000 conciertos en más de 80 países a lo largo de casi 50 años de carrera y han firmado auténticos himnos como “Rock You Like a Hurricane”, “Send Me An Angel” o “Wind of Change”, una de las baladas más famosas de la historia del rock.

Rudolf Schenker fundó Scorpions en Hannover a finales de los 60. Su hermano Michael, uno de los guitarristas más legendarios del heavy metal, se unió a la banda en dos ocasiones hasta dejarla definitivamente y emprender su carrera en solitario.

En sus primeros años, Scorpions tuvieron éxito en Alemania y Europa, pero no fue hasta “Animal Magnetism” (1980) cuando consiguió un disco de oro en Estados Unidos que les aportó fama internacional. En ese momento, la banda vivió una situación difícil cuando su vocalista, Klaus Meine, perdió la voz y fue operado de las cuerdas vocales. Acallando los rumores que vaticinaban su salida, Meine regresó para grabar el siguiente álbum, “Blackout” (1982), y continuar como frontman hasta hoy, cosechando, además, gran éxito.

De esta manera, Scorpions se une a un cartel en el que ya figuraban Blondie, Violent Femmes, Wolfmother, Joe Bonamassa, Seasick Steve, Unida, Turbowolf, Kadavar, Royal Thunder, Bombus, Niña Coyote eta Chico Tornado y 13 Left To Die.

Por último, la organización ha informado que la oferta de bono de dos días a 56 euros más gastos de distribución (5 euros), que concluía el pasado 18 de marzo, continuará vigente hasta el 1 de abril. Esta oferta cuenta, además, con un descuento de 5 euros para todos los titulares del ARF Passport (el descuento sólo será aplicable al comprar a través de la red Ticketmaster). El código de descuento será el número de DNI (sin la letra) de los poseedores del pasaporte.

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PAOLO NUTINI LIDERA LAS NUEVAS CONFIRMACIONES DEL FIB

Paolo Nutini, Example, Above & Beyond y Tom Odell, cuatro nombres con numerosos seguidores en las Islas Británicas, se unen al cartel del 20º Aniversario del FIB, añadiéndose a los ya confirmados Kasabian, Paul Weller, Lily Allen, Jake Bugg, Chase & Status, Ellie Goulding, Tinie Tempah, M.I.A., Katy B, Tame Impala, Manic Street Preachers, James, Klaxons, Courteeners, Sub Focus, Of Montreal, The Charlatans, The 1975, Kodaline, Telegram y The Presidents of the United States of America. FIB 2014 se celebrará en el recinto de conciertos de Benicàssim (Castellón) del 17 al 20 de julio.

El escocés Paolo Nutini ha pulido su propuesta desde que debutara en 2006 con ‘Last Request’. Sin dejar de ser él, ha exprimido al máximo sus dotes vocales y compositivas. Sus raíces folkies y soul siguen intactas, pero su talento ha despegado. Entre ‘These Streets’ (2006), su álbum de debut, y ‘Caustic Love’ (2014), su último trabajo, el joven artista que apuntaba maneras se ha convertido en mucho más que una promesa, desatando su voz quebrada y acertando con composiciones como ‘Iron Sky’.

El MC y vocalista Elliot Gleave es Example. Debutó en 2007 con el álbum ‘What We made’, producido por Mike Skinner – The Streets – , pero no fue hasta la publicación de su segundo trabajo, ‘Won’t Go Quietly’ (2010), cuando su propuesta se consolidó firmemente, alcanzando el número 4 de las listas y convirtiéndolo en platino. Producciones de The Fearless y Calvin Harris y unos cuantos hits, como el que da título al álbum, consagraron a Example colocándole en la estela del propio Harris. Desde entonces, dos álbumes más, ‘Playing In The Shadows’ (2011) y ‘The Evolution Of Man’ (2012), para afianzar una carrera ascendente.
Above & Beyond es el nombre de un polifacético colectivo de electrónica radicado en Londres, que compagina sus propias producciones con remezclas para otros artistas, sesiones en clubes y festivales. También dirigen su propio sello, Anjunabeats, y su programa de radio, Group Therapy Radio. Han remezclado a Chakra, Adamski, Delirium, Three Drivers y Madonna, para quien hicieron la versión trance de ‘What It Feels Like For A Girl’. Entre su producción discográfica destaca su primer álbum, ‘Tri-State’ (2006).
El joven Tom Odell comenzó a estudiar piano en la infancia y a escribir sus propias canciones con solo trece años. Textos de amor sencillos para hilar melodías sustentadas sobre clásicos del pop y del rock de todas las épocas, desde el Elton John de ‘Goodbye Yellow Brick Road’, hasta Jeff Buckley, pasando por Leonard Cohen, Bob Dylan, Billy Joel o Randy Newman. El EP ‘Songs From Another Love’ (2012) fue su carta de presentación, con la que Odell cautivó a Gran Bretaña. En junio de 2013 se publicó su primer álbum, ‘Long Way Down’, que alcanzó rápidamente el número 1 de ventas.
We Are Standard

WE ARE STANDARD, CÁPSULA Y ZEA MAYS, AL IRÚN ROCK 2014

Llega la quinta edición del festival Irun Rock, que se celebrará el próximo 27 de septiembre en la localidad guipuzcoana. Zea Mays, el trío Cápsula y We Are Standard (con su show basado en el repertorio de The Clash) son los primeros nombres confirmados.

El 17 de febrero se publicaba en formato digital el disco “We Are Standard plays the Clash”, resultado de un concierto homenaje que surgió, según Deu, vocalista del grupo vasco, “después de grabar ‘Day’ y antes de que se publicara, esos tres meses en los que no puedes hacer nada más que entrevistas y cosas así. Nos pareció perfecto para limpiar nuestros cerebros de tanta sesión de grabación y mezcla donde acabas harto de tus propios temas. Tocar canciones de otros es algo fresco y fácil porque no tienes que decidir, al revés que en el estudio, donde todo es decidir. El concierto fue un 29 de Diciembre en el Antzoki, donde tantas veces hemos tocado y nos sentimos en casa, además de ser Bilbao. Se vendieron todas las entradas, fue un éxito. Nos sentimos muy arropados desde un principio y la gente coreó los temas, como no podia ser de otra manera. Hubo mucha gente que nunca nos había visto y vino porque le gustaban los Clash, y por los comentarios no salieron defraudados. ¡Eso en Bilbao es mucho! The Clash en Bilbao son algo nuestro, tanto como el bacalao y el txakoli. Algo que hemos mamado desde pequeños junto a todo el rock radical vasco y la reconversión industrial. Por supuesto que son una gran influencia y algo más, diría yo. Ellos nos abrieron el espectro de la música saliendo del punk hacia el funk, el dub y la música de otras épocas”.

El espectáculo, que también se podrá ver en Sonorama, es uno de los principales reclamos del Irún Rock, donde también se podrá disfrutar de Zea Mays y Cápsula.

BRMC

BLACK REBEL MOTORCYCLE CLUB, SPECTOR Y THE STRUTS, AL 101 SUN FESTIVAL

El cartel de 101 Sun Festival sigue creciendo y conformando una selección de artistas de auténtico lujo para su primera edición, que se celebrará en el Estadio de Atletismo Ciudad de Málaga los días 11 y 12 de julio. En esta ocasión se trata de tres grandes bandas internacionales, encabezadas por Black Rebel Motorcycle Club. Los de San Francisco son una de las formaciones más celebradas del rock de la última década, herederos de la actitud punk rock de The Stooges o The Jesus & Mary Chain y autores de discos clásicos como ‘B.R.M.C.’ o ‘Howl’. 101 Sun Festival es hasta la fecha, el único festival en España en el que actuará esta banda.

Junto a ellos, se unen a la gran cita los británicos Spector, una de las mejores bandas jóvenes de las islas que, gracias a su debut ‘Enjoy It While It Lasts’, fue considerada por la BBC como una de las grandes promesas del pop británico, y ha recibido comparaciones con The Killers o The Strokes.

De Inglaterra también llega el nombre que cierra, por el momento, las novedades en el cartel. The Struts es una de las formaciones más prometedoras de la última hornada del rock independiente, mezclando rock, pop y actitud punk en canciones como ‘Could Have been Me’, su último single. Será su primera actuación en España y es que al igual que The Family Rain, el festival apuesta de nuevo por una banda internacional emergente que nunca ha actuado en nuestro país.

Estos tres artistas se unen a un cartel que ya contaba con grandes nombres, tanto de la escena internacional como nacional: Franz Ferdinand, Crystal Fighters, ‘Rinôçérôse’, Russian Red, Lori Meyers, Amaral, L.A., entre muchos otros.

Habitacion Roja 1

EL FESTIVAL GRADUAL 2014 ANUNCIA SU CARTEL

Los días 23 y 24 de mayo, la localidad de Murchante (Navarra) acogerá la segunda edición del Festival Gradual Murchante, que aúna música y cine. Este año, el certamen ya cuentan con 180 cortos presentados. De estos, se proyectarán los trinta finalistas durante los cinco días previos al festival. Además, durante los dos días, se podrán ver los 3 mejores cortos finalistas (viernes 23 mayo) así como los cortos ganadores en las categorías de internacional y local. En cuanto a la programación musical, estos son los grupos que la integran:

La Habitación Roja

La Habitación Roja siempre han sido un grupo de canciones, y han crecido al abrigo de estas hasta llegar, en su noveno disco, a su punto más álgido. Recientes ganadores del premio UFI a la mejor canción de 2012 y el premio mexicano IMAS al mejor grupo español del año, nos presentan ahora “La Moneda en el aire”, un disco que viene a confirmar lo que muy pocos grupos pueden decir: Que cada disco es mejor que el anterior. Para este trabajo han vuelto los cambios; por la parte del sonido, han potenciado la base rítmica, los arreglos, voces y teclados, y se han deshecho de su característico muro de guitarras. El disco cuenta con algunas de las mejores canciones de la carrera de La Habitación Roja. Hay himnos como “Si tú te vas”, grande, épica y emotiva canción en la que colabora Tim Lewis (Ex-Spiritualized) al piano.

Joel Reyes 
Con humildad y oficio, así es como Joel Reyes lleva años batallando desde que Baked Beans desaparecieran. Primero, con su banda Malacabeza, y ahora con su nuevo proyecto discográfico, el primero en solitario. ‘Eléctrico’ es su primer disco editado como Joel Reyes, en el que se acerca a los sonidos más cercanos al folk y la canción de autor sin perder su identidad y sin renunciar a las melodías pop. Se trata de un disco cercano, desnudo e intimista que busca acercarse a la esencia del proceso compositivo. La ambigüedad de su título parte de una electricidad más emocional que física. Y su producción rebosa calidez y sencillez como seña de identidad: el menos es más. Los madrileños practicon un pop-rock de sonido ‘tanto urgente como apasionado’.

October People
Admiradores de Ray Bradbury y E.A. Poe y fans de Joy Division, New Order, Depeche Mode, The Chameleons, Jesus and Mary Chain, Interpol, Editors, A Place To Bury Strangers, REM y The Doors, proporcionan aire fresco a la actual escena estatal. De ellos se ha dicho que poseen ‘una contundente base rítimica y la sensación de conocer bien el terreno que pisan’. En abril presentarán el single, ‘Not the one’, adelanto de su nuevo disco que saldrá en octubre y estará producido por Manuel Cabezalí de Havalina.

León Benavente
León Benavente es una de las bandas revelación del año pasado y del actual. Este supergrupo, formado por Abraham Boba, Luis Rodríguez (Nacho Vegas), Edu Baos (Tachenko), Cesar Verdú (Schwarz) está en boca de prensa y medios a diario gracias a ‘León Benavente’, su primer disco. Todos ellos, nacidos amediados de los setenta, trovadores y nómadas, dándose cita en medio de ninguna parte.Venían de sitios distintos y cada uno había transitado sus propios caminos por el krautrock, elpop psicodélico, el rock de autor o el folk, pero tenían que acabar confluyendo en un punto aún por definir.

Miss Caffeina
Miss Caffeina son unos supervivientes. No sólo han logrado amasar un culto se seguidores que se expande desde cualquier punto de la geografía española, sino que permanecen ligados a su compromiso con la música, de ahí que los sin sabores que han conducido a su merecido éxito no hayan hecho mella en ellos, un grupo que está consiguiendo florecer en compañía de su público sin dramas de por medio aunque su música sea dramática, sin dolor aunque en ocasiones sus canciones duelan. El evocador “De polvo y flores” será su disco definitivo, con canciones que sólo entienden de sentimientos.

El Hombre Garabato 
El Hombre Garabato es un grupo granadino de pop-rock que inicia su andadura en el año 2007 con la grabación de su primer EP. En 2010 publican su primer largo llamado “La vida y otros defectos”, disco que los sitúa en el panorama pop-rock granadino. Cuenta con participaciones de Alfa Le punk, de Tony Eskorzo y Diego Galaz. En 2013 se marchan a la Alpujarra a grabar bajo la dirección de Carlos Díaz, productor que cambia el concepto y ayuda al quinteto a encontrar un sonido más uniforme y personal, encontrando así una identidad más definida.