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BBK LIVE: HORARIOS Y DISTRIBUCIÓN POR ESCENARIOS

Ya se pueden consultar los horarios de actuación y distribución por escenarios de la novena edición del Bilbao BBK Live. En la jornada inaugural del jueves, 10 de julio, el escenario Bilbao acogerá, entre otros, a Franz Ferdinand (en la foto), Crystal Fighters y John Newman; mientras que Phoenix, Vetusta Morla o White Lies actuarán en el escenario Heineken y Hercules & Love Affair, Dorian o The Last Internationale estarán en el escenario Sony.

 

El viernes 11 pasarán por el escenario Bilbao The Prodigy, Foster The People o Bastille; el escenario Heineken contará con Jack Johnson, Frank Turner & The Sleeping Souls y Palma Violets, última incorporación al cartel de esta edición; en el escenario Sony se podrá disfrutar de El Columpio Asesino, Izal o Conor Oberst. Por último, el sábado 12, entre otros, The Black Keys, The Lumineers y Los Enemigos pasarán por el escenario Bilbao; Band Of Horses, MGMT y Skaters por el escenario Heineken y La M.O.D.A., Kuroma y Belako por el escenario Sony.

 

Red Bull Tour Bus y Red Bull Studio Live

No serán los únicos escenarios del Bilbao BBK Live, ya que Red Bull estará presente en el festival con dos espacios distintos. Por un lado, el Red Bull Studio Live, un escenario que llevará hasta el corazón de Kobetamendi a algunos de los artistas que mejor representan el espíritu del Studio de Red Bull, una red internacional de estudios musicales que busca apoyar y fomentar la colaboración entre diferentes artistas. Los catalanes Za! y The Suicide Of Western Culture y Los Pilotos (proyecto paralelo de Banin y Florent, de Los Planetas) actuarán en el Red Bull Studio Live el jueves 10. El viernes 11 será el turno de Clip!, Pional y El Txef_A y el sábado, el de las sesiones de Kresy, Headbirds y Cardopusher, que pondrán a bailar a todas aquellas personas que se acerquen al Red Bull Studio Live.

 

Además, el recinto de Kobetamendi volverá a acoger al Red Bull Tour Bus, un escenario móvil que recorre la península con parada en los mejores festivales y que las tardes del viernes 11 y sábado 12 programará dentro del Bilbao BBK Live a nombres de la escena estatal como Animic, IEPI (viernes 11), M A J E S T A D y Fira Fem (sábado 12).

 

BILBAO BBK LIVE

10, 11 y 12 de julio

Kobetamendi, Bilbao

 

Jueves, 10 de julio

17.00    Apertura de puertas

 

Escenario Bilbao (stage 1)

18.10    PARQUET COURTS

20.00    JOHN NEWMAN

22.35    FRANZ FERDINAND

1.40      CRYSTAL FIGHTERS

 

Escenario Heineken (stage 2)

17.30    FUTURE OF THE LEFT

19.00    WHITE LIES

21.05    VETUSTA MORLA

0.20      PHOENIX

 

Escenario Sony (carpa)

17.40    ESKEAN KRISTÖ

19.00    ALLEN STONE

21.35    HERCULES & LOVE AFFAIR

00.25    THE LAST INTERNATIONALE

03.00    DORIAN

04.10    KOSTROK

05.30    THIS NOT WAY DJs

 

Red Bull Studio Live

03.00    ZA!

04.15    LOS PILOTOS

05.50    THE SUICIDE OF WESTERN CULTURE

 

Viernes, 11 de julio

17.00    Apertura de puertas

 

Escenario Bilbao (stage 1)

18.20    THE 1975

19.55    BASTILLE

22.25    FOSTER THE PEOPLE

00.20    THE PRODIGY

 

Escenario Heineken (stage 2)

17.30    CHET FAKER

19.05    FRANK TURNER & THE SLEEPING SOULS

21.05    JACK JOHNSON

01.55    PALMA VIOLETS

 

Escenario Sony (stage 3)

17.40    DAWES

19.05    CONOR OBERST

21.15    IZAL

01.55    EL COLUMPIO ASESINO

03.00    BAIO

04.20    SINE3

05.40    CROISSANTS DJs

 

Red Bull Tour Bus

18.20    ANIMIC

20.00    IEPI

 

Red Bull Studio Live

03.00    CLIP! (live)

04.00    PIONAL

05.30    EL TXEF_A

 

Sábado, 12 de julio

17.00    Apertura de puertas

 

Escenario Bilbao (stage 1)

18.20    ELLIOTT BROOD

20.00    LOS ENEMIGOS

22.15    THE LUMINEERS

00.10    THE BLACK KEYS
Escenario Heineken (stage 2)

17.30    SMOKE IDOLS

19.05    SKATERS

21.00    BAND OF HORSES

01.45    MGMT

 

Escenario Sony (stage 3)

17.45    THE REBELS

19.05    BELAKO

20.55    KUROMA

01.55    LA M.O.D.A.

03.00    Por confirmar, en sustitución de Chromeo DJ Set

04.20    JOHN TALABOT DJ SET

05.40    WLDV

 

Red Bull Tour Bus

18.20    M A J E S T A D

20.00    FIRA FEM

 

Red Bull Studio Live

03.00    KRESY

04.20    HEADBIRDS

05.40    CARDOPUSHER

cabecera chapelle

FESTIVALES EN EL CINE: “DAVE CHAPPELLE’S BLOCK PARTY”

Mitología moderna: los casi ancianos del lugar hablan maravillas de unas fiestas vecinales improvisadas que tenían lugar en los barrios afroamericanos de Nueva York en los setenta, llamadas block parties. Cuentan que allí nació el hip-hop. Entre barbacoas, atracciones hinchables, paseos recreativos en poni y carritos de palomitas o helados, un DJ amenizaba la jornada callejera en lo que sería el equivalente neoyorquino de los sound systems jamaicanos (o, para el caso, una gresca flamenca con platos y vinilos en lugar de palmas y guitarras). Pronto, los más salados del barrio se animaron a pillar el micro para jalear y vacilar a los asistentes. Y estos, como respuesta, bailaban en una especie de proto-breakdance.

A pesar de que la memoria de las block parties está magnificada casi hasta la desproporción (y con razón: eran la celebración musical genuina, espontánea y sin intoxicar de toda una comunidad), existe escaso material gráfico, y no digamos ya metraje fílmico, sobre estas fiestas organizadas por los vecinos de un bloque de pisos (aunque podría sumarse a ellas cualquiera que pasara por allí). Así que su recuerdo idealizado se ha conservado más por tradición oral que por archivo visual: hay miles de documentales sobre hip-hop que hacen referencia a estas fiestas, pero con mucha entrevista y poca imagen. Como decíamos antes: mitología moderna.

Pero si nosotros no podemos ir al pasado, hagamos que el pasado venga hasta nosotros. Eso debió pensar el cómico Dave Chapelle en 2004. Montó una block party moderna (con bastante más infraestructura, todo hay que decirlo) en la esquina de Quincy con Downing, en el barrio de Brooklyn. Un escenario semi-improvisado que acogería un festival efímero, y que en su única jornada de vida permitiría que todo el mundo que quisiera viviera de primera mano la experiencia de las block parties de las que tanto habían oído hablar a sus padres.

Con esta maniobra, Chapelle quiso recuperar el legado del entretenimiento urbano y la cultura popular de la raza negra en Estados Unidos y, de paso, indagar sobre sus raíces como showman y sobre los andamios de su gustos musicales. De hecho, incluso hay más parte de exploración personal, si queremos verlo así: este entertainer montó un bus que viajaba desde el instituto en el que estudió de joven en su Washington DC natal con una brass band de adolescentes que participaría también en el evento neoyorquino.

Todo este embolado, cómo no, tuvo su plasmación en un documental que vio la luz un año después. “Dave Chapelle’s block party” es, sin rodeos, uno de los mejores documentales musicales de la historia. Un proyecto mucho más complejo de lo que parece, que se puede abordar desde diferentes vertientes: 1) como homenaje reconocido y actualización de “Wattstax” (el festival de 1972 y la película de Mel Stuart de 1973), el paradigma del espectáculo musical con lectura social de la comunidad afroamericana. Incluso el rol de Dave Chapelle como maestro de ceremonias y cicerone es similar al de Richard Pryor en aquel film. 2) Como instantánea oportunísima de una generación de artistas de hip-hop y neo-soul que iban a cambiar el rumbo de la música negra en el S. XXI: en la fiesta de Chapelle estaban invitados a subir al escenario The Roots, un casi debutante Kanye West, Common, Erykah Badu (que descubre que su hiperbólico peinado afro es… ¡pelucón!), Dead Prez, Bilal, Mos Def, Talib Kweli (y los dos juntos como Black Star), Jill Scott, Cody Chesnutt y algún rescate con lustre del pasado como Big Daddy Kane o Kool G Rap. Casi nada. Cremita todo. 3) Como espectáculo de variedades y humor callejero y moderno orquestado por un cómico que siempre sabe de lo qué habla y de lo que ríe. Y 4) Como una película más, y encima de las mejores, de Michel Gondry: un film que se inspira parcialmente en “Get on the bus” de Spike Lee y funciona como ensayo de la posterior “The We and the I”, del propio director francés.

Porque esa es otra: “Dave Chapelle’s block party” debe ser de las películas menos conocidas y valoradas de Michel Gondry, otro cineasta con renombre (como Lynch, como Demme) del que se desdeña su producción dentro del documental musical. Cierto es que sus juegos visuales característicos no están del todo presentes en el film (en los magníficos créditos, quizá), pero supo captar, con absoluta transparencia, el ambiente de celebración despreocupada, veraniega, colorista y groovy como nadie. Gondry no quiso ser protagonista porque sabía que no lo era: era Dave Chapelle, que ya puestos a reivindicar, vale la pena hacer un esfuerzo por conocer a este cómico y monologuista en nuestro país. Su sentido del humor negro (en todos los sentido posibles) es excepcional y tronchante. Un rastreo por youtube en busca de su sketch sobre el partido de basket contra Prince puede ser muy ilustrador. Pocas veces se ha hecho tan buena comedia a propósito de la música.

Aparentemente sencilla, anecdótica y ligera, “Dave Chapelle’s block party” es una película llena de capas de significado y a su vez… es absolutamente gozosa, desenfadada y explosiva. Una fiesta de las que no se olvidan.

Joan Pons

PEOPLE

EL ROTOTOM DOCUMENTA SU HISTORIA

El próximo 1 de julio, la página web del Rototom estrena online el documental “More than Twenty”, que explica la historia del festival.

Se trata de una serie de ocho capítulos, de quince minutos de duración cada uno, a la que se podrá acceder gratuitamente, y que resume los más de veinte años de historia del festival.

La asociación Rototom nació en 1991, apartir del encuentro de cuatro amigos de la infancia. Desde entonces y hasta ahora, la entidad ha gestionado dos discotecas (por las que pasaron Ramones, Bad Religion, Massive Attack, Big Mountain, Fela Kuti, The Wailers, Maniac Street Preachers, Ice-T, Living Colour o Misty in Roots), organizado cientos de conciertos, ocupado una fábrica abandonada para crear un centro cultural, organizado manifestaciones por la paz y creado el que se ha convertido en el festival reggae más grande de Europa: Rototom Sunsplash.
Todas estas historias, desde los orígenes del festival hasta los motivos por los que el Rototom tuvo que abandonar Italia y trasladarse a Benicàssim, entre otras, se cuentan en este documental, cuyo primer capítulo se estrenará en abierto en internet en la propia web del festival, el próximo 1 de julio.

La serie está dirigida por Tommaso D’Elia y Silvia Bonanni, tiene una duración total de dos horas y cuenta con más de 45 testimonios y una veintena de localizaciones, además de abundante material de archivo desde 1991.

Aquí se puede ver el trailer:
http://www.rototom.tv/7681/more-than-twenty-trailer-oficial

Foto: Luca D’Agostino

bobbywomack

ADIÓS A BOBBY WOMACK

Iba a ser su único concierto en España. Nunca antes había actuado en nuestro país. Bobby Womack tenía el jueves 24 de julio la fecha de su concierto en el festival La Mar de Músicas. Pero no ha podido ser. Womack, al que llamaban el último soulman, falleció ayer mientras dormía a la edad de setenta años, según informó su hermana a distintos medios de comunicación. Womack era uno de los cabezas de cartel del festival La Mar de Músicas, que está edición celebra sus veinte años. El festival “se siente muy apenado por la marcha de Bobby Womack, sin duda, un referente para muchos, que ya pertenece a la historia de la música”, según ha declarado la organización. La Mar de Músicas comunicará la semana que viene el artista escogido para sustituirle, en una noche en la que también actuará Joan As Police Woman.

Maronda

EL FIB COMPLETA SU CARTEL DEFINITIVO

Tras anunciar la programación de Rock This Town, el FIB (Festival Internacional de Benicàssim) cierra definitivamente su cartel con 27 nuevos artistas, que de este modo se suman a la vigésima edición del festival. Wolf Alice, Charli XCX, Aeroplane, Evian Christ (Dj set), Petar Dundov, Alixander III, Amable DJ, Uner, Sunta Templeton (XFM), Aurora, Blank Realm, GAF y La Estrella De La Muerte, Juventud Juché, Jessica Sweetman, Luiliminili y Smart (Ochoymedio Festivals Tour), Los Claveles, Maronda (en la foto), Los Nastys, John Gray, Persons, El Pardo, Aldo Linares, el colaborador de byTHEFEST Rafa Cervera, Dj Rojiblanco (Radio 3), Toxicosmos y Hominidae, ganadores de Proyecto Demo 2014, se añaden a los ya confirmados Kasabian, The Libertines, Paul Weller, Paolo Nutini, Lily Allen, Jake Bugg, Chase & Status, Ellie Goulding, Tinie Tempah, M.I.A., etcétera.

matt bianco

MATT BIANCO, CABEZA DE CARTEL EN SALOBREÑA

El Festival Tendencias de Salobreña cumple 23 años y anuncia como cabeza de cartel la actuación de una de las bandas británicas clave del jazz pop, Matt Bianco. El festival también confirma la actuación del nuevo espectáculo de Antonio Arias y Soleá Morente, “Multiverso”.

Del 4 al 8 de agosto, el pueblo blanco de Salobreña recibirá de nuevo a una figura internacional. En esta ocasión, rescata de los 80 a una de las más destacadas bandas británicas de jazz pop del Reino Unido, que llegó a convertirse en 1984 en uno de los grupos de éxito en las listas europeas: Matt Bianco. Formado por  el carismático cantante Mark Reilly , el contrabajista Kito Poncioni y Danny White a los teclados, el grupo surgió en 1982 y después de algunos cambios en la formación y numerosas experiencias exitosas junto a otros miembros, Reilly continua a la cabeza y vuelve a subirse a los escenarios para recordarn temas como “Good Times”, “Half a minute” o “Don’t blame it on that girl”. Matt Bianco actuará el viernes 8 de agosto en el Paseo de las Flores de la villa costera.

En el Auditorio Municipal, el jueves 7 de agosto, se celebrará otro de los conciertos del XXIII Festival Tendencias. Será el nuevo espectáculo en 3D de uno de los músicos granadinos más creativos, Antonio Arias (Lagartija Nick), que junto a Soleá Morente y los músicos que suelen acompañarles en sus directos, ha realizado un emotivo espectáculo denominado “Multiverso”.

Para completar la programación, y como es habitual cada año, habrá Exposiciones, Cine y Conferencias que se irán confirmando en los próximos días, actividades paralelas que se podrán disfrutar durante el festival del 4 al 8 de agosto.

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LOS PLANETAS PONEN LA GUINDA AL SONORAMA

El grupo granadino Los Planetas son la última incorporación al festival arandino Sonorama Ribera, que este año se celebrará del 13 al 16 de Agosto. La banda, uno de los buques insignia de la escena independiente nacional, inaugurará el festival de una manera muy especial.
Será una de las pocas actuaciones que el grupo ofrecerá este verano de 2014, justo cuando se cumplen 20 años de la edición de una de sus obras fundamentales, “Súper 8″, que será reeditado el próximo mes de julio por Octubre/Sony.

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VETUSTA MORLA: “NO PODEMOS GUSTARLE A TODO EL MUNDO”

La banda madrileña Vetusta Morla ha publicado este año “La deriva”, un esperado tercer álbum que se anunció urgente en el sonido y comprometido en los textos, marcados por la crisis actual, pero que en esencia se mantiene fiel a su trabajos precedentes. El disco llega tras el “Concierto benéfico por el Conservatorio Narciso Yepes de Lorca”, que grabaron con la Orquesta Sinfónica de la Región de Murcia (para recaudar fondos destinados a la reconstrucción del centro), y de “Los ríos de Alice”, un álbum instrumental concebido como banda sonora para un videojuego. El guitarrista Guillermo Galván habla sobre el momento actual del grupo.

 

Habeis comentado que “La deriva” es fruto de la urgencia. ¿En qué sentido?

Era casi una necesidad, porque veníamos de grabar con una orquesta sinfónica y de componer la banda sonora de un videojuego, dos proyectos donde la elaboración y el arreglo definían el concepto. Al empezar a trabajar en este disco, nos dimos cuenta de que volvíamos a estar nosotros seis solos, sin ningún músico más, con los instrumentos de siempre, y queríamos tener una fe más clara en el instinto que en lo racional. La idea era intentar ser un poquito más secos, sobre todo en lo estilístico, hacer un disco más basado en el ritmo, con menos ambientes. Tanto las letras como los arreglos estaban marcados por la premura. No era cuestión de prisa ni de intentar hacer las cosas rápido, sino de dejarnos guiar por la primera idea e intentar confiar en nosotros mismos.

 

Una vez terminado, ¿responde a lo que buscabais?

Sí, totalmente. Al apostar por una contundencia mayor en lo musical, queríamos también que hubiera menos metáforas o subtramas en las letras, a diferencia de canciones y discos anteriores, aunque siempre manteniendo nuestra manera de escribir. Probablemente es el disco que más aire tiene y que más grande suena, porque hay menos cosas.

 

Las letras, efectivamente, son un poco más claras, teniendo en cuenta que solían ser bastante crípticas. ¿Tiene que ver con los temas que se abordan?

Todo va de la mano. Igual que en discos anteriores hemos jugado más con atmósferas y con capas sonoras y eso estaba relacionado con lo que se decía en las letras, que eran más metafóricas, en este disco hemos trabajado mucho el qué y el cómo, el contenido y la forma, y por las circunstancias nos parecía que era el momento de hacer un disco más directo, en el que quizá las cosas fueran menos interpretables. El reto era ser directos, pero sin perder la forma de hacer las cosas que tenemos, sin dejar de lado el trabajo con las imágenes, ciertas texturas musicales… Tiene que ver con lo que quieres contar. El disco ha sido muy urgente a la hora de componerlo y grabarlo, pero ha habido muchas reuniones previas para buscar lo que queríamos.

 

La coincidencia temporal y esas letras más explícitas han propiciado que los medios hayan asociado vuestro disco con los de Amaral y Nacho Vegas. ¿Sentís alguna conexión con ellos?

En una situación como la que estamos viviendo, hay ciertos elementos de empatía no solo con bandas, sino con un montón de gente que a lo mejor hace unos años no tenían mucho que ver a nivel estilístico pero, de repente, coinciden en la forma de ver lo que está sucediendo y de entender el mundo. No solo pasa en la música. Tanto en cine como en teatro están surgiendo formas diferentes de hacer las cosas. Y no es solo cuestión de mensaje. A veces nos centramos en que alguien pone el grito en el cielo en una canción, pero estas cosas tienen también mucho que ver con que haya tanta gente trabajando por su cuenta, sin grandes compañías detrás, siendo responsables de sus propios proyectos, planteando un nuevo tipo de industria. En ese sentido, hay bandas con las que coincidimos, aunque tengan intenciones estéticas distintas.

 

“La deriva” se ha presentado como el disco que marca un cambio en Vetusta Morla. ¿Es así?

Entendemos el disco como un cambio respecto al anterior, pero es verdad que tiene más que ver con ciertos planteamientos y enfoques que con un cambio total. Una de las cosas que nos gusta es que sigue sonando a Vetusta Morla. ¿Qué es el sonido Vetusta Morla? Pues no tengo ni idea, pero hay una cierta relación con lo anterior y un cable a tierra con todo lo que hemos venido haciendo. El planteamiento previo de producción y la manera de grabar son muy diferentes de “Mapas”. Para enfocar un disco nuevo siempre nos parece importante saber que vamos a hacer cosas distintas al anterior. Meternos en jardines que no conocemos, salir de la zona de confort, más allá de llegar a un sitio muy distinto, que no creo que sea el caso.

 

¿Os sentís culpables por las bandas clónicas que han aparecido a partir de vuestro éxito?

Vivimos en un sector donde parece que lo más fácil siempre es comparar con el que acaba de hacer algo en la misma línea. A nosotros, cuando empezamos, nos comparaban también con un montón de grupos. Y entiendo que la prensa o los críticos establezcan ciertas coordenadas. Eso es una cosa. De ahí a descalificar a grupos que están empezando y se lo están trabajando muy dignamente, me parece una falta de respeto. No es que nos moleste que les comparen con Vetusta Morla, sino que lo hagan despectivamente, quitándoles mérito.

 

Suele ser despectivo. De hecho, os habeis convertido en el blanco preferido para ciertos sectores cuando se habla de indie mainstream.

Bueno, no sé, tendrán sus motivos… Vuelvo a lo de antes. Si a alguien no le gusta Vetusta Morla, es normal, es sano y justificable. No podemos gustarle a todo el mundo. Pero de ahí a pensar que somos los responsables de sus traumas, hay una distancia. A muchos de mis amigos no les gusta Vetusta Morla. En España hay bandas de todo tipo, y si una no te gusta, a veces es más positivo hablar de lo bien que lo hacen otras que quedarte solo con lo poco que te gusta una. No es algo que nos quite el sueño.

 

Habeis pasado de “Mapas”, un concepto que sugiere una hoja de ruta clara, a “La deriva”, que significa pérdida de rumbo. ¿Casualidad?

Eso está ahí. Si lo has pensado es que hemos soltado ese cable para que la gente lo pueda tener en cuenta. Lo cierto es que “La deriva” surgió casi como un nexo de unión en un momento en que acabamos la gira de “Mapas” y nos íbamos a tomar un tiempo, porque atravesamos unas situaciones personales en las que estaban cambiando muchas cosas en nuestras vidas y nuestro entorno familiar era un poco extraño… “La deriva” nos parecía interesante desde el punto de vista narrativo, porque nos gustaba que las canciones partieran del momento siguiente a que algo hubiera fallado, ese punto en que te das cuenta de que las cosas no van a ser como iban a ser y se necesita una transformación tanto personal como colectiva para llegar a otro lugar. Era un material muy atractivo.

 

Lo que no cambia es la vocación épica. ¿Os sentís herederos de Héroes del Silencio?

Nos lo han dicho en otras ocasiones, pero somos banda muy distintas, sobre todo porque Héroes del Silencio nacen en un momento en que todavía existía la supebanda de rock, de hecho ellos han sido la última en España, antes de que en los noventa se fragmentara todo. En el sentido de tener mucha presencia, seguidores y una imaginería personal, sí podría existir una relación. En cuanto a la manera de entender la música y la estética no creo que tengamos mucho que ver, pero puedo llegar a entender que haya gente a la que le pueda recordar el fenómeno. A mi es una banda que me interesó mucho en su momento, y cuando tenía 14 o 15 años iba a sus conciertos.

 

“Fuego”, uno de los temas del nuevo disco, podría ser vuestro “Sunday Bloody Sunday”. Solo le faltan los redobles de batería.

Solemos jugar mucho con las intensidades y las dinámicas, y es un tema con un ritmo muy marcado desde el principio hasta el final, casi de corte marcial, aunque no tanto como “Sunday Bloody Sunday”. Puede tener cosas en común con canciones de ese estilo. La letra toca cuestiones muy básicas, en tanto que seres humanos, como mantener lo que nos individualiza. Habla de fuego, pero puede ser la esencia, la dignidad, un montón de cosas…

 

¿Y “¡Alto!”? ¿Cómo surgió un estribillo tan folklórico?

Es una canción que tiene un ritmo complejo, de 7×8, extraño para una canción de sus características, pero es de las que da lo mismo cantarla con una guitarra, un ukelele o sin instrumentos. Tiene referencias a música tradicional, folklórica, de otros países. Escuchamos música de Sudamérica y hay cosas que se te quedan porque son muy interesantes. Es una canción que funciona como receso dentro del disco, y habla de la gente que se ha tenido que ir, de cómo se han sentido prácticamente expulsados de su propia tierra.

 

¿Cómo planteasteis los arreglos de las canciones?

Los únicos músicos adicionales que hay son los de la sección de metal, y fue casi una transgresión, porque decidimos que no iba a haber ninguna colaboración. Al final pensamos que en “Una sonata fantasma” nos venía al pelo, teníamos una melodía de metales en la cabeza cada vez que sonaba la canción y decidimos que el concepto no fuera superior a las ganas que teníamos de hacerlo.

 

En todo caso, son arreglos que pecan más por defecto que por exceso.

Sí, eso es. Ha habido un ejercicio bastante importante de contención. La relación entre las dos guitarras ha sido distinta a “Mapas”, y también la manera de enfocar los acordes… Ha habido cosas que se han quedado en las mezclas. No grabamos mucho, está lo imprescindible. Y también hay un trabajo vocal muy importante por parte de Pucho.

 

En los próximos meses pasareis por festivales como el BBK Live, Cruïlla, PortAmérica, Low, Ebrovisión, DCode y Lemon Pop, entre otros. ¿Cómo van a ser los shows?

Hemos planteado una gira en dos partes. La primera la terminamos en La Riviera y fueron conciertos exclusivamente nuestros, en salas o espacios grandes. Tocamos “La deriva” al completo y el show está basado en el disco, aunque también tiene canciones de los anteriores. Y, por primera vez, lleva asociada una puesta en escena. Es una propuesta muy interesante, que hemos trabajado con el diseñador Maxi Gilbert y que divide el show en tres partes: Una primera de concepto más teatral, luego una más rockera y después el final. En festivales lo que hacemos es una mezcla de los tres discos que, por necesidades de guión, es más corta. Tocamos dos horas en sala y en festivales serán unos 75 minutos. Estamos trabajando en la manera de reconvertir el espíritu de lo que hemos estado haciendo en salas para adaptarlo a los festivales.

 

¿No está saturado el mercado de festivales? ¿No tocais siempre los mismos?

Aunque tiene grandes bandas, la escena musical española tampoco es tan grande. Hay tantos festivales, que es normal que se repitan los carteles, no queda otra. Pero pasa en todas partes. Si miras el cartel de Vive Latino (México) de los últimos diez años, el 80% de las bandas son repetidas. Es complicado. ¿Dónde está el equilibrio entre el mantenimiento de la escena y la aparición de nuevas propuestas que la vayan renovando? Y, al mismo tiempo, que sean atractivas para el público. Durante muchos años ha habido un boom de festivales y es verdad que a veces tenías dos a 40 km de distancia con los mismos grupos. Eso es inviable, una saturación evidente, pero también es cierto que aunque sea de una manera más tímida que en otras ocasiones, están saliendo bandas. Pienso en León Benavente, que es gente que viene de otros grupos, pero el año pasado sacó un disco, empezó a tocar y va a ser uno de los platos fuertes en festivales este año. O Fuel Fandango, que están siendo casi de cabeza de cartel en muchos sitios… Hay que darles tiempo, pero los festivales necesitan permeabilidad para que salgan nuevas bandas. Pasa en España y en todos lados.

Eduardo Guillot

Fotos: Jerónimo Álvarez

Arcana

ROCK THIS TOWN: EL FIB EMPIEZA EL MARTES

Nace ‘Rock This Town’, una iniciativa con la que Benicàssim dará la bienvenida a la vigésima edición del FIB. Dos días, cinco escenarios, diez bandas, danza y fuegos artificiales esperarán a los fibers en dos jornadas previas a la apertura del recinto de conciertos que se desarrollarán en la ciudad.

Como un primer paso en la recuperación de las actividades extramusicales que dotaron de identidad al FIB en el pasado, este año se pone la primera piedra con una serie de conciertos previos cuyo objetivo es dar la bienvenida a los fibers y lograr que la ciudad pueda sentir aún más intensamente el pulso del festival desde dentro. Todos los conciertos y actividades son gratuitos.

La mayoría de grupos participantes procede la provincia de Castellón. Es el caso de Montefuji, deBigote, No Soy Gente, The Last Band y Nacho Silvestre, que fue finalista del Proyecto Demo 2014. Además, los valencianos A-Phonics, Gatomidi y Arcana Has Soul (en la foto), los gaditanos Homeless, que también quedaron finalistas en el Proyecto Demo 2014, y los granadinos Trepàt.

 

Programación:

Martes 15 de julio

Escenario El Torreón

Montefuji. 22 h.
A-Phonics. 23 h.

Fuegos artificiales a partir de las 24 h.

 

Miércoles 16 de julio

Escenario Eurosol

Homeless. 19.30 h.
Gatomidi. 20.45 h.

 

Escenario Plaza de los Dolores

No Soy Gente. 20 h.
The Last Band. 21.15 h.

 

Escenario Plaza de la Constitución

Nacho Silvestre 21 h.
Trepàt 22.15 h.

 

Escenario Plaza de la Estación

deBigote. 23 h.
Arcana Has Soul. 24.15 h.

 

También el miércoles 16, y como colofón de las celebraciones, se celebrará la XVI Cita con la Danza en El Torreón, en el Anfiteatro Pepe Falomir, desde las 23 h. y hasta las 2 h. de la madrugada.

 

La programación ha sido desarrollada por la organización del FIB, con la colaboración del consistorio benicense y la inestimable ayuda del colectivo Benicàssim.pop.

 

Aspencat

EL REGGAE ESPAÑOL, PROTAGONISTA EN EL ROTOTOM

La escena reggae española volverá a tener un protagonismo especial en los escenarios del Rototom Sunsplash 2014, especialmente la de la Comunitat Valenciana, abundando en la tendencia de las últimas ediciones del festival de música jamaicana más importante de Europa, que se celebrará del 16 al 23 de agosto en Benicàssim. El cartel estatal, encabezado por la actuación de Rapsusklei & The Flow Fanatics acompañado de Sr. Wilson, tendrá un gran peso en los escenarios Showcase Club, dedicado a los nuevos talentos internacionales, y Ska Club, pero también estará presente en el Dancehall y la Dub Academy.

Así lo demuestran las últimas confirmaciones, entre las que destaca la banda más en forma de la nueva corriente de música con raíz jamaicana en valenciano: Los alicantinos Aspencat (en la foto), a los que se suman los valencianos Mediterranean Roots y los catalanes Rampalion. También se incorporan los ganadores del Rototom Reggae Contest Ibérico, los malagueños Malaka Youth, los canarios Ruts & La Isla Music (todos ellos en el Showcase Club) o dos de los cantantes que han irrumpido con más fuerza: el manchego Lasai (en el Showcase Club) y el catalán Irie Souljah (Dub Academy). En total, veinte nuevas confirmaciones para un total de más de cuarenta artistas entre bandas y sound systems que representarán en el 21º Rototom los distintos ritmos jamaicanos que se cultivan en todo el país, dentro de un cartel que encabezan artistas internacionales como Lauryn Hill, Sean Paul, Jimmy Cliff, Shaggy, Alpha Blondy, Anthony B o Chronixx.

Maceo Plex

4EVERY1: ELECTRÓNICA EN LA CIUDAD DEL ROCK

El 7 de julio de 2012 sonaba el último acorde del festival Rock in Rio celebrado en Arganda del Rey (Madrid), en un recinto de grandes dimensiones y al aire libre bautizado con el nombre de Ciudad del Rock y que desde entonces no ha acogido ningún otro evento musical. Hasta el próximo 28 de junio, en que acogerá la primera edición de 4EVERY1, un festival dedicado, paradojas del destino, a la música electrónica.

A partir de las 18 h., y durante dieciseis horas ininterrumpidas, la Ciudad del Rock se llenará de ritmos sintéticos repartidos en seis escenarios monográficos centrados en otros tantos clubs. Según palabras de los organziadores, 4EVERY1 es “una gran producción mestiza donde, dentro de la música de club, cohabitarán las nuevas tendencias del siglo XXI con el clasicismo necesario e imprescindible de la electrónica más divertida y masiva”.

 

Ricardo Villalobos

 

El escenario The Grass estará dedicado al tech-house. El proyecto nació con la intención de ofrecer la mejor representación de los sonidos que triunfan en todo el mundo y son exponentes máximos en festivales y clubs, además de las noches ibicencas, que arrancarán en el momento de la celebración del festival. Una apuesta segura en una zona ubicada en una gran pradera de césped artificial y que contará con nombres de alto nivel como Maceo Plex, Ricardo Villalobos, Marco Carola o Christian Smith.

 

Maceo Plex

 

El Big Zoológico apostará por la EDM (Electronic Dance Music), el electro rock y el dubstep. Su epicentro se localiza desde hace tres años en la noche madrileña, y llegará la Ciudad del Rock de la mano de Gomad! & Monster, Danny Avila, Martin Garrix o Bass Jackers. Artistas nacionales e internacionales que estarán apoydaos desde un área anexa apadrinada por Animal Kingdom, donde los residentes de los mejores clubs de España tendrán su espacio propio y la oportunidad de mostrar su apuesta sonora en primera persona. Entre ellos, Álex Now, Paul Select o Álex Sánchez.

 

Gomad! & Monster

 

Otro de los platos fuertes será el preparado por una de las marcas más relevantes en el panorama mundial, con varias residencias en todo el planeta: Circoloco. Con un formato atípico en la cultura de club desde sus orígenes, en 1999, al ocupar la franja matinal de los lunes en la discoteca DC10 en Ibiza, su característica personalidad, representada por el rostro de Crazy Clown (el payaso loco), forman ya parte de la historia viva del sonido de club más divertido y underground. Andrew Grant, Tania Vulcano, Apollonia, Matthias Tanzmann o DJ Wild lo demostrarán.

 

Tania Vulcano

 

El dub, la electrónica y el deep más conceptual del panorama nacional e internacional estarán representados por We Are Syndicate, el único programa de radio emitido en una emisora regional, UnikaFm, nominado a mejor radio show por la revista DJ Mag. Dos horas semanales de música electrónica presentada de un modo ecléctico y sin complejos durante los últimos tres años, que decide dar el salto al formato festival con 4EVERY1 Festival, donde estarán presentes de la mano de Gary Beck, Jonas Kopp, Funk D’Void, Octave One o Alberto Pascual, entre otros.

 

The Zombie Kids

 

Por último, The Phantom apostará por el eclecticismo de la mano de pesos pesados como South Central, Dub Elements o los imprescindibles The Zombie Kids, que han preparado un show especial de cierre para todos aquellos que resistan las dieciseis horas non stop que propone el festival. Llega 4EVERY1: ¡Bailad, bailad, malditos!

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ENTREVISTA: LOS ENEMIGOS

Los Enemigos han vuelto, si es que alguna vez se fueron. Josele Santiago, Fino Oyonarte, Chema “Animal” Pérez y Manolo Benítez han entrado en el estudio para grabar disco nuevo. El álbum, que se titulará, casi con total seguridad, “Vida inteligente”, verá la luz pasado el verano. Un aplazamiento provocado por la intervención a la que fue sometido el cantante del grupo, para extirparle un pólipo de las cuerdas vocales. Josele, totalmente recuperado, responde con su retranca y lucidez habitual.

 

¿Crees que la operación va a cambiar tu forma de cantar?

En algo tendrá que afectarme, supongo. Yo creo que tengo mejor voz. Algo se notará. Si tienes un pólipo y te lo quitan, pues tiene que ir a mejor (risas).

 

Los Enemigos tenéis por delante un verano con presencia en distintos festivales (BBK Live, Nordestazo, Zaidín, Mayorga Rock). ¿Afrontáis de alguna manera especial estos conciertos?

Tampoco es que tengamos mucha pirotecnia, ni muchos efectos especiales o cosas por el estilo. Salimos, tocamos y no montamos nada especial (risas). Hacemos nuestro repertorio y poco más. Si el escenario es muy grande, procuramos no separarnos demasiado. Nos gusta sentirnos juntos (risas).

 

¿Os sentís cómodos tocando en ellos?

Sí. Da gusto, porque se suele sonar muy bien. Antes era un suplicio. Me refiero a hace muchos años, veintipico, cuando empezamos. Entonces, en los festivales ni se probaba el sonido, ni hostias. Se salía a pelo, pero ahora el nivel profesional del equipo, de la gente que lo controla, es alto. Es muy raro que suene mal y antes era una puta pesadilla.

 

En 1999 publicáis vuestros últimos discos de estudio hasta la fecha, el álbum “Nada” y la banda sonora de la película “Se buscan fulmontis”. Desde entonces hasta nuestros días, han aparecido hasta seis discos recopilatorios, la mitad de ellos recogiendo conciertos vuestros. Eso habla muy bien de la vigencia del repertorio de Los Enemigos, ¿no?

Hicimos dos directos [se refiere a los discos “Obras Escocidas (1985-2000)” y “Obras Escondidas” (1985-2002)”], más que nada para que quedara constancia de cómo sonábamos encima del escenario, en vista de que nos separábamos. Y luego, sí es verdad, que ha salido algún que otro recopilatorio, pero no he estado muy al tanto. Es cierto que se trata de un repertorio que no está unido a ninguna tendencia o corriente determinada, ni a ningún movimiento o tribu urbana, de aquellas que había, en concreto. Al principio eso podía despistar a la gente y ha acabado jugando a nuestro favor. Suenas a Los Enemigos y punto. Son canciones hechas desde el corazón hacia las vísceras de la gente, que han sobrevivido por sí solas.

 

Y quince años después volvéis a grabar. ¿Por qué?

La reunión se estaba alargando y convirtiendo en una etapa nueva. Así que nos planteamos sacar un disco y me puse a componer. Así de sencillo (risas). También había que comprobar que las nuevas canciones valían la pena, porque si no era así, no seguíamos adelante. No era cuestión de grabar por grabar. Pero el material que hemos grabado, modestia aparte, merece la pena.

 

Hablas de nueva etapa y no de reunión.

Es que no fue nada premeditado. Nos juntamos e hicimos los dos bolos que nos habían contratado y como la cosa sonaba muy bien y el público respondía, fueron creciendo las fechas. Y aquello se alargó casi dos años. Era absurdo seguir hablando de reunión porque era algo más.

 

Pero seguís siendo la misma formación, contáis con el mismo productor (Carlos Martos) y en directo váis a seguir tocando canciones de los discos anteriores. ¿Qué hay de nuevo?

La diferencia es, simplemente, el tiempo. Nosotros lo vemos así. Los riffs nos salen más gordos, Chema es aún más bestia con la batería, yo me pongo tres o cuatro puntos más en el ampli y… suena a Enemigos. Pero a los Enemigos de hoy.

 

¿Cómo os está quedando el disco?

Estamos muy contentos, muy ilusionados, está quedando como un cañón, suena de puta madre. Y Carlos (Martos, el productor) tiene todo el rato una cara muy luminosa. Es un álbum 100% Enemigos, sin ningún tipo de colaboración. Sólo los cuatro. Sin teclados, ni acústicas, ni nada por el estilo. No por nada, lo probamos pero no funcionaba. Estarán representadas todas nuestras facetas, que tenemos unas cuantas (risas). Está nuestro lado rock, que es el que tal vez más predomina, pero también tocamos cosas más pop, más punk, rozando a veces casi el hard, algunos toquecillos country o un poco de blues. Los Enemigos somos un grupo de rock en castellano, pero tenemos muy pocas manías. De hecho, en nuestro repertorio hay, incluso, algunas canciones muy cabareteras. Tenemos un abanico, estilísticamente, bastante amplio.

 

De eso dan fe algunas de las versiones que habéis grabado (Abba, Serrat, TV Personalities, Gloria Gaynor o Palito Ortega) o los gustos musicales que compartís en vuestro facebook (The Cure, Hole, The Smiths, Hüsker Dü, Klaus & Kinski).

Es que nos gustan muchas cosas. No tiene ningún sentido escuchar sólo un mismo tipo de música. No sé. Nos gustan AC/DC, pero al mismo tiempo, un montón de grupos más. Mejor para nosotros, ¿no? (risas).

 

¿La idea es sacar un disco y ver que pasa u os planteáis algo a largo plazo?

De momento la intención es publicarlo, pasearlo por ahí, y seguir en la carretera, que es algo que a los cuatro nos sigue gustando. Yo no me aburro. Si no fuera músico, sería camionero. No puedo estar más de un mes seguido en casa.

 

¿Qué os da Carlos Martos para que sigáis contando con él como productor?

Además de ser un profesional impresionante, nos entendemos a la perfección. La primera vez que trabajamos juntos fue en 1990, en el disco “La vida mata”, y fue el álbum, que al menos a mí, más me ha hecho crecer como músico. Es un trabajo que nos marcó mucho, que nos hizo entender muchas cosas, es un disco capital para nosotros. Y luego repetimos con él hasta el último, “Nada”, y es que casi no nos hace falta ni hablar, con una mirada nos vale. Vamos, que cuando decidimos que volvíamos al estudio, la opción Carlos Martos era la única que pensábamos. Si estamos el equipo titular, tiene que estar el jefe también. Es nuestro George Martin.

 

Aunque vuestras letras siempre han tenido un halo desesperanzador, ¿las del disco nuevo están marcadas por la situación social y económica que vivimos?

Siempre, por muy etérea que sea la letra de una canción, o por muy flipado que estés, el marco en el que se desarrolle será este pequeño y cochino mundo (risas). Hay canciones más oscuras, otras más luminosas, una que trata sobre el timo de las preferentes, otra que se va a la quinta dimensión… Hay de todo.

 

¿De qué manera beneficia a Los Enemigos los proyectos paralelos de sus miembros?

Cada vez tocamos mejor y tenemos menos manías. Los cuatro nos hemos seguido dedicando a la música. Yo he sacado cuatro discos en solitario, Fino montó Clovis y Los Eterno, Manolo ha estado con Freedom y trabajando para otros artistas como Raimundo Amador o Los Porretas, y Chema ha estado en muchos musicales de estos de la Gran Vía, el de Queen, el de Abba… y ha seguido con su carrera como actor y como músico de sesión. No hemos estado quietos estos años. Y se ha notado cuando nos hemos juntado. Un grupo de rock es un mundo muy cerrado, una endogamia tremenda, así que saliendo fuera aprendes muchísimo, recibes un aluvión de información que no conocías porque estabas encerrado en el huevecillo de tu grupo.

 

Aprovechando que has mencionado tu carrera en solitario, ¿por qué crees que determinados músicos (Jorge Martínez de Ilegales, Loquillo) cuando alcanzáis cierta edad os atreveis con otras sonoridades bastante alejadas de lo que ha sido vuestra carrera e incluso coqueteáis con la figura del crooner?

Es producto de la curiosidad natural como músico. Uno está toda la vida en un grupo de rock y cuando se ve más libre de ataduras, aprovecha para investigar por otros lados. Es normal. Si es que nos pasa a casi todos. En cuanto dejas el grupo de rock, empiezan a sonar guitarras acústicas y pianos por todas partes (risas). Sales con un tapón en el cerebro de tanto decibelio y es lo que apetece. La ley de la compensación o algo así. Y como esa ley de la compensación no se cansa, ahora lo que toca es rock and roll otra vez.

 

A raíz de la gira de reunión, apareció un texto firmado por Ignacio Julià en la revista Rockdelux en el que lamentaba la desaparición de las drogas y el alcohol en Los Enemigos. Incluso en algunas informaciones sobre este nuevo disco, los periodistas han vuelto a incidir en el tema. ¿No es fijarse más en el continente que en el contenido del grupo e infravalorar, por tanto, vuestras canciones?

Me sorprendió mucho aquel artículo, pero bueno, cada uno tiene sus complejos y sus síndromes y los refleja como le permite su vergüenza. A mí me parece una estupidez, ¿qué quieres que te diga? Lo digo sin tapujos, porque es ley de vida. El cuerpo manda y hay que cuidarlo. A partir de determinada edad hay que cuidarlo y si no lo haces, no te responde. Si no estuviéramos en forma física, esto no sería posible, porque esto es duro (risas). No puedes llevar con cincuenta años la vida que llevabas con veinte. Es que no tiene sentido. Sería muy aburrido. Y me parece un despropósito andar fijándose en eso cuando uno está intentando sonar bien, hacer algo positivo, hacer algo creativo… Que de repente salga alguien diciendo: “Hey, ya no tomas drogas”, pero ¿eso, qué tiene que ver, coño? Esos comentarios son una meada fuera de tiesto.

 

¿No será que en realidad esos periodistas lo que echan de menos es cómo vivían ellos aquellos años?

Totalmente de acuerdo. Yo creo que hacen esos comentarios porque echan de menos su propia juventud. Y eso significa que no han entendido nada o muy poco. La juventud no tiene nada que ver con la dieta (risas). Está más en el espíritu y en el cerebro.

 

Eres un lector constante y voraz, incluso colaboras con algún artículo en Babelia, ¿no te has planteado nunca escribir una novela?

Sí, sí me lo planteo, pero de ahí, generalmente, no paso (risas). Me gusta mucho escribir. Tengo unos cuantos relatos cortos. Cualquier día los uno y saco un libro. Me encantaría.

 

El año que viene Los Enemigos cumplís treinta años. ¿Está prevista alguna celebración?

¡No me jodas! Me acabas de dejar chafado. No lo sabía. No creo que hagamos nada (risas). Imagino que nos pillará por la carretera, presentando las nuevas canciones. Uf, es que no había caído en eso. Si hace nada estábamos celebrando el veinte aniversario (risas).

 

Rafa Rodríguez Gimeno