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ENTREVISTA A ANIMAL COLLECTIVE, “MÚSICA PARA AEROPUERTOS”


A originales no les gana nadie. De hecho, se podría decir que en “Painting With”, su último álbum, se toman como modelo a sí mismos. Animal Collective volverán a España en breve, para actuar en el Primavera Sound y el Festival Sound Isidro, así que era la ocasión ideal para conectar por skype con Brian Weitz (Geologist) y comentar los últimos movimientos de una banda que pusieron en marcha Dave Portner (Avey Tare) y Noah Lennox (Panda Bear), que se amplió a trío con la llegada de Weitz y que durante muchos años fue un cuarteto, con Josh Dibb (Deakin) como miembro flotante. De hecho, Dibb regresó al seno del grupo en 2010, pero no ha participado en la grabación de un disco inspirado por el arte rupestre, estrenado en un aeropuerto y que será la columna vertebral de sus próximas actuaciones en nuestro país.

 

Vuestra última grabación se titula “Painting With”. ¿Significa que entendéis el proceso de creación de un disco como el de un pintor que se enfrenta al lienzo en blanco?

No era el planteamiento literal con el que iniciamos el trabajo, pero supongo que se aproxima bastante al resultado. Siempre que empezamos a hablar sobre la orientación de las canciones, usamos mucho los términos visuales, más incluso que cuestiones como las progresiones de acordes, las notas y ese tipo de cosas. Pensamos en el sonido como en una representación visual, y en las conversaciones salen a menudo colores, imágenes u objetos, así que de algún modo podría verse así.

Habéis comentado que las fuentes de inspiración del disco han sido el arte rupestre y los dinosaurios. ¿Cómo se convierte eso en canciones?

No es exactamente que pensáramos en transformar el arte rupestre en música, pero en las primeras charlas buscábamos un enfoque de las bases y nos apetecía mucho que los ritmos fueran primitivos y circulares. Nos seducía la imagen de un grupo de hombres prehistóricos alrededor del fuego, unos ritmos primitivos cercanos al trance, pesados, y esa idea nos sugirió los paisajes prehistóricos y los dinosaurios pintados en las paredes de las cuevas. Pero fue muy al principio de la concepción del disco.

Suena lógico, teniendo en cuenta que vuestra música siempre ha tenido un componente rítmico muy tribal.

Sí, estoy de acuerdo. En el año 2000, en Nueva York, cuando empezamos a tocar juntos como trío, después de que Dave y Noah grabaran “Spirit They’re Gone, Spirit They’ve Vanished”, los ritmos ya tenían ese carácter improvisado tribal y primitivo. Así que cuando Josh dejó el grupo y los tres hemos vuelto a estar juntos, ha sido muy sencillo retomar esas ideas iniciales.

En alguna entrevista también habéis dicho que este era “vuestro disco Ramones”. ¿En qué sentido?

Antes incluso de hacer las canciones, hubo una fase en que barajamos ideas sobre cómo orientarlas. Noah estaba escuchando el primer disco de Ramones y su intención era seguir esa línea en aspectos como la energía, la sencillez de las composiciones, la corta duración de los temas… Suponía un reto. No tratábamos de hacer un disco de punk rock, pero sí capturar esa energía, que es algo que no habíamos hecho antes.

Está grabado en EastWest, el estudio de Hollywood donde trabajaron los Beach Boys. Y la canción “FloriDada” incluye un sample de los Surfaris. ¿Habéis tenido muy presente el surf durante la grabación?

En realidad, no. A Dave le gustaba mucho ese sample y la canción está escrita en un sentido pop clásico muy claro, aunque luego se convierte en un collage. Y lo de los Beach Boys fue una coincidencia. De hecho, era nuestra tercera opción. Lo decidimos en el último minuto, porque necesitábamos un estudio en Los Ángeles. Antes estuvimos en Londres, luego en París, pero Dave vive en Los Ángeles, conocemos bien la zona, tenemos amigos allí y al final era el que estaba disponible en la ciudad. Así fue como acabamos allí, no lo buscamos.

Es curioso, porque muchos periodistas lo han destacado como un factor decisivo en el resultado final del disco.

Por supuesto, éramos plenamente conscientes del estudio que era cuando lo escogimos. Sabíamos que “Pet Sounds” se había grabado allí y eso era un estímulo, pero se presentó como una oportunidad. Estaba disponible para las dos semanas que necesitábamos y las opciones eran limitadas. El sonido es estupendo, estamos muy contentos, pero no hubo premeditación alguna ni razones sentimentales para decantarnos por él.

¿Tampoco hay una conexión especial entre “Painting With” y California?

No lo creo. Solo uno de nosotros vive en California. Nos encanta Los Ángeles, pasamos bastante tiempo allí, pero la intención no era hacer nuestro disco californiano. Después sí que lo hemos pensado, por los recuerdos de la experiencia, que nos llevan de vuelta allí. Pero cuando lo estábamos escribiendo no tuvo ninguna influencia.

¿La ciudad donde se graba un disco puede influir de algún modo en el sonido?

En nuestro caso, no mucho. Cuando grabamos, no salimos demasiado, tratamos de estar concentrados. Aunque no ha sido así esta vez, nos gusta estar en algún sitio donde no conozcamos a nadie, un poco aislados, centrados en el disco la mayoría del tiempo. Como sabes, no vivimos en la misma ciudad, así que el tiempo cuando estamos juntos es precioso. Y caro. Por eso no solemos involucrarnos en la vida de la ciudad. Otras veces sí pasa. Pero no es tanto la ciudad como la gente. O el tiempo. Son cosas que nos inspiran más. Es la energía humana de la ciudad lo que propicia un determinado estado de ánimo.

En el tema “Hocus Pocus” toca la viola John Cale (acreditado como John Cole). ¿Cómo se produjo la colaboración?

Abby Portner, la hermana de Dave, es artista visual. En 2014 dirigió el video de “If You Were Still Around” para John Cale, y estaba trabajando con él en las imágenes para un proyecto en el que interpreta las canciones del disco “The Velvet Underground & Nico”. Cuando se enteró de que era la hermana de Dave, Cale le dijo que le gustaba mucho el grupo y era un gran fan nuestro. Ella nos lo comentó a nosotros justo en un momento en que estábamos grabando el disco y teníamos un sample de cuerdas que no encajaba, por lo que necesitábamos tocarlo en vivo. Nos hacía falta un músico de sesión para encontrar la textura adecuada. Llamamos a Abby y le dijimos: “Oye, como se ha declarado fan, ¿tú crees que podría pasarse una tarde por el estudio, echarnos una mano y grabarlo?” Ella se lo comentó y él estuvo encantado de hacerlo.

Compartisteis escenario el 3 de abril, en París, ¿no?

Sí, eso fue producto de conocerle en la grabación. Cuando nos vimos en Los Ángeles, no nos pidió dinero por tocar ni royalties de la canción. Dijo que era una relación creativa, que él nos ayudaba ese día y que ya le devolveríamos el favor nosotros en alguna otra ocasión. Poco después nos habló de un proyecto en el que iba a necesitar ayuda y nos propuso colaborar. Aceptamos, y cuando estaba en París con el show de Velvet Underground se puso en contacto con nosotros y nos planteó tocar “There She Goes Again” con él. Teníamos que ir a Europa de todos modos por la gira, así que resultó fácil. Lo pasamos muy bien y fue un honor hacerlo.

Lo he visto en YouTube y parece uno de esos momentos mágicos que se producen de vez en cuando sobre un escenario.

Definitivamente. Había muchos otros artistas involucrados en aquel concierto, como Saul Williams, Etienne Daho, Mark Lanegan o The Libertines. Todos pusimos nuestro granito de arena y nos sentimos como parte de una gran comunidad musical. Fue muy especial, desde luego.

En “Golden Gal” hay otro sample, esta vez de la serie “Las Chicas de Oro”. Una elección curiosa.

Es un tema de Dave. En su origen, quería escribir una canción sobre el papel que juegan las mujeres en su vida, y una conversación en un episodio de la serie le ayudó a encontrar el enfoque. En la maqueta hablamos de elaborar un collage musical con elementos que habíamos utilizado en el pasado, líneas de diálogo, etc. Metimos ese sample y lo dejamos en aquella primera versión. Al secuenciar el disco nos dimos cuenta de que podía quedar bien al principio del tema y acabamos usándolo. Pero no fue fácil, porque no era nada barato. Hubo que pelear duro para conseguirlo.

John Cale no pidió dinero, pero la NBC sí.

No conozco los términos finales en que se cerró el acuerdo económico, pero el canal televisivo fue bastante razonable, no pidió mucho dinero. El verdadero problema fueron las familias de las actrices que decían el diálogo.

La primera vez que se pudieron escuchar públicamente las canciones del disco fue en el Aeropuerto de Baltimore, dónde estuvo sonando en loop durante toda una tarde. La idea recuerda “Music for Airports”, el disco que Brian Eno publicó en 1978. ¿Cómo se os ocurrió estrenarlo así?

Queríamos que se escuchara en un espacio público, para crear una situación un poco surrealista, y al principio pensamos en un centro comercial, pero después nos pareció que el aeropuerto era mejor. Yo soy de Baltimore y la música ambiental allí la programa una radio alternativa, que suele incluir muchas bandas indies de la ciudad. Teníamos un contacto en la emisora y pensamos que era una opción más realista.

¿Os han contado alguna reacción por parte de los viajeros?

Mi padre y mi hermano tienen un restaurante dentro del aeropuerto, y me dijeron que apenas podía escucharse, era música de ambiente. Solo se oía con claridad en los baños (risas). Y parece que, de vez en cuando, algún viajero que era fan se percataba de que éramos nosotros y se iba a los baños para escucharlo mejor.

Recientemente habéis puesto en circulación dos grabaciones en directo. ¿Con qué fin?

Nos gustaría hacerlo más. Hay bandas que graban todos sus shows en directo y al final del concierto están disponibles en CD o USB para comprarlos. Siempre hemos querido hacerlo, pero para nosotros resulta complicado, porque no somos una banda fácil de mezclar en vivo y nos haría falta retocar la grabación. No obstante, nos apetecía que un par de actuaciones estuvieran disponibles de algún modo, como un regalo. Y queríamos hacer algo para mostrar nuestro rechazo a la ley anti LGTB de Carolina del Norte. Así que hemos publicado los directos de Los Ángeles y Manchester, y destinaremos el dinero de las ventas a las organizaciones de apoyo a la causa y contrarias a la ley. Sabemos que los fans suelen grabar los shows, así que es también una manera de que los tengan en buenas condiciones, no con el sonido que captura un móvil entre el público. Pero no los consideramos discos oficiales en directo, sino grabaciones en vivo.

¿Os sentís cómodos haciendo este tipo de posicionamientos en público?

Lo triste es que la situación exista y tengamos que decirlo. Estamos muy orgullosos de participar, pero normalmente somos una banda que se desmarca del contenido político, porque nuestras letras son bastante obtusas y ambiguas y no nos erigimos en portavoces políticos a través de la música. Pero cuando te sientes fuerte y el caso es claro, no tenemos ningún problema en manifestarnos públicamente.

Este año volvéis al Primavera Sound. ¿Qué recuerdos tenéis del festival?

Siempre lo hemos pasado bien allí. Creo que el concierto de 2008 fue uno de los mejores de nuestra historia, al menos uno de mis favoritos. Le he dicho a todo el mundo que es el mejor festival del mundo y que traten de acudir. Mi familia ha ido algunas veces, les encanta Barcelona. Y nunca hemos tocado en el de Oporto, va a ser la primera vez, así que nos hace mucha ilusión.

En vuestros conciertos soléis avanzar los temas del siguiente disco. ¿Será así también esta vez?

No, en esta ocasión será diferente. Hemos grabado primero y luego hemos tocado las canciones en directo, así que ahora el setlist en directo se compone de un tercio de temas de “Painting With” y el resto será una selección de discos anteriores.

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