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ENTREVISTA A LA MARAVILLOSA ORQUESTA DEL ALCOHOL (LA M.O.D.A.)

La Maravillosa Orquesta del Alcohol (La M.O.D.A) es una de las bandas más reclamadas de la actualidad para tocar en todo tipo de festivales, prácticamente menos en los de electrónica parecen caber dentro cualquiera. Su gran fuerza en directo, apoyada en una numerosa banda llena de intensidad y cercanía parece ser su secreto. Basan su sonido en una instrumentación folk rock, al estilo The Pogues, pero transmitida con el espíritu de The Clash, y con su segundo trabajo “La primavera del invierno” parecen confirmar la buena acogida que tuvieron con su debut. Entre los muchos festivales a los que han acudido en las últimas semanas, aprovechamos su paso por el Alrumbo Festival para hablar con ellos.

¿Qué sacasteis de la experiencia y el rodaje adquirido en la intensa gira de más de noventa conciertos con vuestro debut que os haya servido para grabar vuestro reciente segundo álbum “La primavera del invierno”?

Tocar en directo une y cohesiona a un grupo. Este segundo LP refleja eso, que somos más banda, estamos más unidos musicalmente hablando…estar en la carretera te da una experiencia difícil de cuantificar pero que luego está ahí y se nota.

En las canciones de este segundo trabajo se notan muchas más idas y vueltas, tienen muchos más matices y también son bastante más pausadas en contraposición a la efervescencia de “¿Quién nos va a salvar?”. ¿Es algo meditado para darle un enfoque más maduro o es fruto del momento de la banda?

Lo único premeditado era que no queríamos repetir el primer disco. No queríamos volver a decir lo mismo, ni en las letras como en la música. Creemos que un grupo debe exigirse eso, tener esa inquietud y un puntito de valentía y hacer lo que le salga de dentro, sin plantearse si va a tener buena o mala acogida.

La producción de “La primavera en invierno” ha corrido a cargo de Santi García, uno de los productores más reclamados de nuestro país (Standstill, The New Raemon, Toundra, La Habitación Roja, Nueva Vulcano o María Rodés). ¿Qué ha aportado Santi al sonido del disco?

Una visión externa, experimentada y con mucho gusto. Nosotros empezamos a componer el disco y durante casi un año fuimos trabajando por nuestra cuenta, encerrados en el local. Después, nos juntamos con Santi y dimos una vuelta a los temas, al sonido, al equipo que había que utilizar para cada canción…qué sonidos queríamos buscar, etc. Santi aporto muchísimo en esa parcela, tanto de sonido como de ideas musicales o coros.

Quizá ninguna de las bandas graba Santi García ha tenido un tono tan folky o una instrumentación tan característica como vosotros ¿Buscabais sumar desde una mirada diferente o menos obvia?

Totalmente. Es lo que decíamos antes, que no queríamos repetir el primer disco y Santi podía llevaros a terrenos muy interesantes. Nos gusta eso, que una banda haga un estilo pero tenga influencias de otros que no podrías imaginar, juntar estilos o músicos aparentemente sin conexión, jugar al despiste. Pasa igual con las colaboraciones. En el primer LP teníamos a Quique González, en este a Gorka Urbizu y María Rodés. Es una forma de reivindicar nuestra manera de entender la música: sin etiquetas, prejuicios ni ataduras estilísticas o formales.

¿Se puede llegar a aprender de lo que puede dar uno mismo con un buen productor que lo vea desde fuera?

Claro, todo depende de la forma de trabajar y la actitud de los implicados. El tener esa visión externa te motiva más todavía y si ambas partes tienen química, las canciones crecen un montón.

La canción “Hay un Fuego” dice “Siempre he sido más de perdedores y de perdidos no vencidos”, y estos parecen ser los protagonistas de la mayoría las historias del disco. Incluso las referencias a Miles Davis, Baudelaire o Nick Drake (como anteriormente a Johnny Cash, Kerouac o Huckleberry Finn) tienen un componente oscuro. ¿La M.O.D.A. es más una banda de invierno aunque le busquéis la parte de primavera? ¿Esa épica es un recurso lírico?

Nos vemos a nosotros mismos como un grupo con dos filos: la música puede ser más o menos “festiva” e incluso alegre, pero las letras tienen un toque más oscuro y esa nos parece una combinación muy interesante.

A pesar del éxito de vuestro primer disco y lo reclamados que estáis para tocar en todas partes, habéis decidido autoeditar este segundo trabajo, aunque seguro que no os faltaban ofertas. ¿A que es de debida esta decisión?

A nuestra manera de entender la música. Al final, lo único que tiene un grupo son sus canciones y sus decisiones, y consideramos que una banda debe ser responsable de ambas. Esto es algo que hemos levantado de la nada entre un grupo de amigos y no queremos que nadie más tenga influencia en lo que hacemos. No entramos a valorar que haya otras bandas que están en sellos, nos parece que cada uno sabe bien lo que tiene que hacer con su grupo.

Aunque tenéis diferentes y variadas influencias, está claro que tenéis cierta conexión, buscada o no, con el sonido de Mumford & Sons. Esta banda como muchas otras antes, cuando se han instalado en el éxito, han limado su sonido en sus nuevos trabajos hasta prácticamente hacer desaparecer el componente folk o de raíces de su sonido. ¿Os veis cambiando vuestro registro hacia algo más comercial o asequible?

Nuestras influencias son Johnny Cash, Bob Dylan, The Band, Social Distortion o The Clash. No nos fijamos mucho en lo que hacen otros grupos. Intentamos dar nuestra visión personal, tanto en música como en letras, decir las cosas a nuestra manera, al margen de etiquetas o comparaciones.

Os habéis convertido en una de las bandas más reclamadas por los festivales ¿No tenéis miedo a quemaros o a llegar a saturar?

Una banda se tiene que dedicar a escribir cada día mejores canciones y dar cada vez mejores conciertos. Necesitamos tocar, queremos tocar y eso hacemos. No pensamos más allá, no hay una estrategia de marketing…. Pero está claro que intentamos cuidar lo que hacemos, para no quemarnos ni nosotros ni al público.

Acudís a festivales de mucho tipo, desde los festivales de indie, de rock más potente o de mestizaje. ¿Dónde os sentís más cómodos? ¿O donde creéis que encajáis mejor?

En todos. Nos da igual tocar en un festival, en una sala, en un bareto o en la calle. Creemos en lo que hacemos y sobretodo, disfrutamos haciéndolo. Nos parece muy bien que un grupo pueda encajar en diferentes ambientes musicales. Precisamente eso nos da mucha envidia del extranjero. La gente va a escuchar música en directo y no discrimina en función del estilo que oiga. Aquí parece que si escuchas folk tienes que vestir de una forma y escuchar ciertas bandas, si te gusta el heavy lo mismo….Por eso decíamos que huimos de etiquetas y reivindicamos la libertad de escuchar y tocar lo que nos dé la gana.

A finales de año viajáis a Irlanda, Escocia y Reino Unido, lugares donde existe una gran tradición por bandas con vuestro sonido, pero que sin embargo puede resultar curioso cuando os escuchen cantar esa música en castellano. ¿Cómo os esperáis la acogida? ¿Qué esperáis de esos conciertos?

La música está por encima de idiomas o nacionalidades. No pensamos en la acogida que vamos a tener, simplemente tenemos muchas ganas de viajar y vivir la experiencia.

Habéis actuado en Francia, pero parece que el destino de toda banda nacional que funciona (y más cantando en castellano) es Latinoamérica. ¿Tenéis pensado hacer una gira al otro lado del océano?

Nos encantaría, de hecho es uno de los objetivos del grupo para el próximo año. Tiene que ser increíble…ojalá pronto podamos cruzar el charco.

ASÍ TE CONTAMOS EL ALRUMBO FESTIVAL

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