BFlecha

ENTREVISTA: BFLECHA

La viguesa BFlecha es una de las más firmes promesas de la música de baile nacional. “βeta” es su primer larga duración, y en él recoge multitud de influencias hilvanadas por ritmos cálidos, como el R&B, el funk o los sintetizadores ochenteros. Hablamos con Belén Vidal, la mujer detrás del proyecto, para que nos contara más del mismo y de sus experiencias en los escenarios.

 

Eres productora, DJ y ahora también compositora, con un primer álbum –”βeta” (2013)– en la calle. ¿Esa ha sido la evolución lógica y necesaria para expresar tus inquietudes?

Yo me considero más productora y músico que DJ, es mi vocación. Empecé tocando y componiendo en bandas. Después de eso, todo surgió de manera natural, básicamente porque me compré un ordenador que venía con el software de audio que utilicé para grabar maquetas, y a partir de ahí fui encontrando maneras diferentes de hacer la música. Eso me llevó a la producción musical. Pero siempre he escrito canciones, en esta evolución hay una línea continua; es lo mismo, pero adaptado a la época y a la tecnología.

 

Pero empezaste tu carrera en estilos alejados de lo que haces ahora mismo ¿Cómo ha sido esa evolución, ese camino?

Realmente son las mismas canciones, pero tocadas de otra manera, es bastante parecido. Cuando empecé a producir en una línea más electrónica, alrededor del año 2000, utilizaba más samplers, y ahora más sintetizadores, pero básicamente es lo mismo, hay una evolución porque mejoras con el tiempo.

 

“βeta” es un trabajo bastante coral, en el disco te apoyas en algunos de tus compañeros de Arkestra, el colectivo discográfico en el que estáis todos englobados. ¿Cómo surgen esas colaboraciones?

En el disco hay canciones que son mías y hay canciones que acabé con Mwëslee, que es con quien más trabajé. También hice una con Noaipre –Lava Templada– y otra con Hosoy –A Marte–. Hay bastante labor en conjunto, incluso algunas eran canciones mías que acabaron ellos. Me gusta mucho colaborar con otros músicos porque es más divertido; sobre todo con Mwëslee, que es quien más ayudó con la idea global y el sonido. Dos cabezas siempre piensan más que una. Me gusta colaborar con gente porque, además, te sales de tu zona de confort y te hace ir más allá.

 

¿Queríais enriquecer la música de los unos con los otros?

Había una canción de Noaipre, que Mwëslee me mandó hace tiempo. Era suya, pero yo empecé a trabajar sobre ella, y al final, como quedó bien con el resto del disco, dijimos: “Pues podemos meterla”. Pero tampoco fue pensado, estábamos trabajando desde hace tiempo y realmente somos amigos, es más natural, estas cosas salen como tienen que ser.

 

Un par de años antes de la salida de tu debut, ya se venía hablando de su inminente publicación pero, aunque fuiste adelantando pequeñas píldoras, se retrasó más de lo esperado. ¿A que fue debido este retraso?

Necesitaba tiempo, madurar las letras, ponerlas todas juntas, porque al final es una obra y tiene que tener un equilibrio. Buscar todo eso, desarrollar los conceptos, las ideas. Algunas canciones son de hace dos años, pero otras se hicieron al final. Quería ponerlo todo en común de una manera global. Además, con el tiempo asienta todo mejor. Y también estuve haciendo remixes y otras cosas, no permanecí parada.

 

 

En tu trabajo hay una gran amalgama de referencias, pero mayoritariamente están englobadas dentro de la música negra. ¿De dónde te vienen esas influencias? A los españoles, ¿nos representa mejor esa música cálida que la frialdad de la electrónica centroeuropea?

A mí siempre me gustó esa música, en los locales que había en Vigo cuando empezamos a pinchar con Arkestra había bastante variedad; un local que te ponía hip hop, otro funky o R&B, otro era más rollo club con música tirando a house… También había conciertos más experimentales. Todo eso nos hizo ser más abiertos y a mi, esa música, me marcó personalmente.

 

Nutres tu música de atmósferas y letras con referencias a la ciencia ficción, incluso a la poesía futurista. ¿Qué importancia tiene dotarla de un concepto?

A veces la tiene y a veces no. En ocasiones, un concepto te ayuda y te sugiere algo en la canción, te crea como una imagen, te ayuda, pero tampoco hay una regla fija.

 

Eres una de los miembros fundadores del colectivo Arkestra, que cuenta con sello discográfico propio y se fundamenta en la colaboración de sus integrantes. ¿Qué inquietudes necesitabais cubrir para crear Arkestra?

Teníamos gustos en común y no encontrábamos sitio donde desarrollar justo lo que nos gustaba. Empezamos pinchando y haciendo conciertos, cubriendo un poco la música que no había aquí.

 

¿Qué crees que aporta que los propios músicos se organicen alrededor de este tipo de colectivos o núcleos en vez de alrededor de las clásicas discográficas o agencias de management?

Creo que es la forma más natural, por decirlo de alguna manera. Es algo que, si hace falta, se hace, como una necesidad. Si lo haces entre amigos y hay un interés mutuo, yo creo que eso siempre es más real.

 

Aun teniendo conexión, hacéis cosas diferentes. ¿Qué os aportáis unos a otros?

No todos hacemos lo mismo, cada uno tiene características diferentes y nos gusta hacer cosas con gente que no hace exactamente lo mismo. En ese sentido, nos hace más abiertos y nos nutrimos los unos a los otros.

 

 

Hace poco estuviste en Nueva York, dentro del Spain Fresh Fest y, en general, tu música funciona muy bien fuera de España. ¿Es la electrónica española un producto musical fácilmente exportable?

Igual que nosotros escuchamos música en inglés, en otros países les puede llegar a gustar nuestra música. Yo, a veces, no presto atención a la letra de la música que escucho, porque está en otro idioma. Igual se puede aplicar a otros países.

 

¿Y eso a pesar de cantar en castellano?

Ya te digo, yo escucho música en inglés y me pasa igual, hay gente a la que le llega la música. Está claro que si entiendes las letras es un punto más a tu favor, aunque si no te gustan igual hasta es un poco contraproducente. Si no lo entiendes, no te puede producir un prejuicio y puedes escuchar la música.

 

Este año has participado en el SOS 4.8, el Vida o el Sónar y tienes por delante el Low o el ElectroSplash, por poner algunos ejemplos. ¿Qué diferencias planteas en tus shows dependiendo de si actúas en un festival especializado en electrónica o en uno de música indie?

En principio, el set es el mismo. Lo que me planteo de forma diferente es si se pueden proyectar audiovisuales, si se dan las condiciones, pero realmente es igual para todos. El objetivo es llevar al directo las canciones del disco, pero acompañándolas con las canciones de los otros EP’s –”Ceja de Carnival”, “Kosmic Lovers” y “Qvasi Naves”–, haciendo algo que englobe toda mi trayectoria.

 

¿Cómo ha sido la experiencia de volver al Sónar, pero esta vez con un trabajo discográfico ya publicado y siendo una artista algo más consolidada?

La experiencia ha sido muy buena, para mi es un honor estar allí porque es uno de los festivales de referencia.

 

Es uno de los más festivales especializados más importantes a nivel mundial. ¿Representativo el nivel de la escena electrónica nacional?

Creo que hubo mucha y muy buena representación española.

 

Una vez publicado “βeta”, y después de una trayectoria en la que has ido avanzando a través de etapas diferenciadas, ¿con qué expectativas afrontas el futuro de tu carrera?

Quiero seguir haciendo lo mismo, seguir componiendo temas, porque estoy bastante cómoda y cada vez me encuentro mejor. Se va perfilando todo y creo que el tiempo siempre favorece.

David Blutaski

Foto: Eva Díez

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