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León Benavente

ENTREVISTA A ABRAHAM BOBA

Texto: David Blutaski

Foto Portada: Liberto Peiró

El músico Abraham Boba está viviendo uno de los momentos más dulces de su carrera con León Benavente, pero tiene detrás una larga trayectoria de veinte años en la que ha defendido de forma sólida tanto su proyecto en solitario como su participación como músico en los proyectos de otros artistas –es reconocida su participación en la banda de Nacho Vegas-. Por todos estos motivos y para que ofrezca su visión sobre la industria musical, el Postgrado de Gestión Empresarial de la Música de la Universitat de València le ha elegido para impartir una Master Class en esta próxima sexta edición, que está todavía en plazo de preinscripción hasta el 23 de diciembre. Hace poco hablábamos con él sobre su último trabajo discográfico, pero aprovechando su presencia en este Postgrado, del que byTHEFEST es medio oficial, hemos querido conocer algo más su carrera desde el punto personal y profesional.

Desde 1997 llevas publicando trabajos en diferentes proyectos. ¿Qué visión tenías en aquel momento de lo que era la industria musical y qué has descubierto? ¿Crees que tenías los conocimientos adecuados para moverte dentro de este negocio?

Cuando empiezas a hacer música lo que menos piensas es en la industria o en todo lo que no tenga que ver con lo que es hacer canciones, tocar, tener tu grupo, ensayar, hacer todos los conciertos que puedas, eso es todo lo que piensas al principio. En realidad ni sabes cómo va el negocio y prácticamente a ninguno nos interesa. Una vez estás ya metido ahí, en mi caso por ejemplo, pasé por diferentes discográficas, diferentes formas de girar, vas conociendo promotores, vas conociendo managers, y entonces a partir de ahí sí que es cuando te vas haciendo una visión de todo lo que has hecho mal y de las cosas de que sí que tienes que tener en cuenta. Obviamente sigues teniendo en cuenta toda la faceta musical, pero ambas facetas van parejas. Estaba leyendo estos días “Como funciona la música” de David Byrne y me hizo gracia porque es un tío muy arty, que no le pega mucho que le interese el negocio, pero leyendo este libro te das cuenta de todo lo contrario; tiene una frase muy clara y es que “puedes tener muchas ideas, pero como no tengas en cuenta todo lo que tiene que ver con el negocio musical es bastante probable que no puedas desarrollarlas”. Entonces no sé, yo he visto muchos cambios, he visto evolución, pero me he ido enterando poco a poco de las cosas.

Cuando te ofrecen un primer contrato discográfico yo creo que el 100% de los músicos lo firman con los ojos cerrados, práctimente no lo leen porque es tan difícil conseguir atención y hay tantos proyectos musicales y tan variados, todo el mundo intentando sacar adelante su proyecto, que cuando viene una persona, sea quien sea y ponga lo que ponga en un contrato, y te lo ofrece y te dice que te quiere ayudar a que saques adelante tu proyecto, lo primero que haces es alegrarte y celebrarlo. Luego con el tiempo, vas viendo, obviamente ahora ya no firmas las cosas sin leerlas. Ese es un ejemplo, pero hay muchas cosas.

A veces da la impresión de que algunos proyectos que pueden llegar a ser interesantes, por el desconocimiento de cómo funcionan las cosas, incluso por el desgaste que puede producir el negocio a un músico que empieza, desaparecen antes de cuajar por no saber llegar a vender su producto o por no sentirse cómodo en el camino que han elegido o les ha tocado.

Sí, es cierto, pero también hay personalidades, cada músico es un mundo. Hay gente que tiene claro que no quiere estar en contacto con todo el business, con toda la industria musical, que quiere ir a parte o que lo quiere hacer solo o que no quiere pasar por ciertas cosas, y es totalmente respetable. Nosotros, por ejemplo, ahora mismo con León Benavente creo que lo que tenemos es criterio para elegir las cosas y tener un poco de coherencia. Pero ser coherente no quiere decir que estés totalmente al margen de la industria, no sé, son maneras de verlo. El tema del underground, independencia o como lo quieras llamar, siempre ha estado ahí, y el underground muchas veces no tiene nada que ver con la calidad musical, de hecho es dónde normalmente se desarrollan las propuestas más interesantes, pero claro muchas veces hay poco apoyo de la industria y otras veces los músicos no se quieren “vender”, tanto a discográficas, marcas o ataduras que puedan acabar con cualquier cosa que tenga que ver con la creación.

Da la impresión de que hace tiempo la forma clásica de trabajar era contratar con una empresa discográfica y ellos controlaban tu carrera en todos los aspectos. Ahora parece que la mayoría de artistas trabaja en áreas más compartimentadas, por un lado está la discográfica (si no es uno mismo), el management, el booking… ¿Qué ha mejorado este aspecto y que lo ha hecho más complicado?

Ese es el ejemplo del primer disco de León Benavente. Nosotros grabamos el disco a través de una plataforma de autoedición que era Marxophone, pero lo que teníamos claro es que no queríamos ejercer ni de managers, ni ser los que nos dedicábamos a vender nuestro propio trabajo o a promocionarlo, etc. Yo creo que para esas cosas hay gente que se dedica a eso, que lo hace bien y que normalmente sabe ver las cosas desde un punto de vista exterior, que no tiene que ser mejor ni peor, pero que cuando alguien está metido en un trabajo creativo es muy difícil que lo vea desde fuera para poder venderlo, etc. Entonces claro, me parece lógico que se tire de managers, de gente de promo, etc. Es curioso, porque cuando empezó todo esto, seguimos hablando de la industria independiente y todo esto, la gente lo que quería era tener una discográfica. A ti lo que te alegraba era que viniese Astro, Limbo Starr o Subterfuge o quien fuese y te dijera que te quería sacar unos cuantos discos. No pensabas en una agencia de management ni en una agencia de promo, tú lo que querías era tener tu discográfica en la que salían tus discos y hoy en día eso sí que ha cambiado, porque creo que la gente está viendo que es casi más importante la figura de un manager, de una agencia de booking, de agencia de promo, que una discográfica en sí, porque al final de lo que acaba viviendo un músico es de tocar en directo. Nadie vive ya de los discos que ha grabado, aunque esos discos sirvan para que la gente vaya a tus conciertos.

Aunque está en boca de todos que la industria musical está en crisis, ahora mismo vivimos el momento en el que mayor número de bandas y mayor número de discos se publican en nuestro país. Lo que pasa es que en la mayoría de ocasiones son trabajos autoeditados, con carreras que manejan los propios artistas a través de redes, etc. Hay muchas bandas que dicen que la cosa no les funciona y que hay una crisis muy potente. Eso puede que sea cierto, pero ¿puede ser también que al no haber una criba por parte de nadie haya muchos productos que no funcionen porque no tengan la calidad suficiente o que si la tienen y van por libre, al no tener suficientes conocimientos o apoyo en la industria, ese esfuerzo se pierda en un mar inmenso de mayor oferta que demanda?

Totalmente, yo creo que lo que lo que ha cambiado todo es internet. Al aparecer internet no cambió solamente la industria, si no la forma de ver la música, la forma de acceder a ella y ese es el cambio más potente. Claro, evidentemente eso hace que afloren muchos proyectos que antes se quedaban en la nada, porque lo único que podías hacer antes era hacer tu maqueta, enviarla a varias discográfica y si tenías suerte de que a alguien le interesase pues a partir de ahí pues que la gente comenzase a reconocer tus canciones, pero no había otro medio. Eso y tocar en directo, pero si no tenías una discográfica, tocabas y no venía nadie a verte. A partir de aparecer internet se crea una biblioteca musical inmensa en la que cada uno puede utilizarla como quiera, ya bien sea teniendo redes sociales o no teniéndolas, o bien sea poniendo tus canciones en libre descarga, o poniéndolas a un precio que elija el oyente lo que quiera pagar por ellas. Se van haciendo diferentes formatos que al final tienen el mismo objetivo, que es dar a conocer la música al público para que vaya a tus conciertos.

Está bien, es una herramienta y lo agradezco, y estoy de acuerdo contigo en que el único filtro ahora lo pone el oyente, que en el fondo tampoco está mal, está bien tener acceso a todo y que sea el oyente el que juzgue si quiere seguir indagando en esa música o si directamente no le interesa. Ahora la gente se extraña con que hagas un disco en el que pienses mucho el orden, que quieres que se escuche de esa manera, en que no piensas en canciones separadas si no en un disco de concepto, no conceptual, lo digo por estos dos discos de León Benavente, y claro esto es algo que parece que se ha perdido porque todo tiene que ser inmediato, se escucha una canción o se escuchan 30 segundos, se pasa a la otra, sea adelante y se acaba teniendo una visión de los discos que al menos no es la que a mí me gustaba cuando yo me empecé a escuchar discos. Yo me compraba un disco y me empapaba de él, porque era el disco en el que me había gastado la pasta del mes. Eso sí que creo que se ha perdido un poco, sobre todo porque hay un exceso de información tremendo y obviamente la vida no da para escuchar tanta música.

Los cuatro que componéis León Benavente tenéis un largo recorrido anterior como músicos, pero también habéis intervenido en otros proyectos con roles diferentes; ya sea como músicos de estudio, directo o como técnicos. Parece que los aspectos jurídico laborales de los músicos son un poco precarios, complejos y caóticos ¿En qué momento se llega a tener todos estos aspectos controlados como trabajador de la música?

Una vez empiezas a avanzar en ello y quieres hacer de esto tu forma de vida. Claro, esto es un trabajo y son cosas a las que tienes que atender, obviamente, y a las que los músicos normalmente nunca le han prestado mucha atención, porque al final lo que haces es estar con tu grupo y lo único que piensas es en irte a una sala, que no te salga muy caro tocar allí, ver cuánto dinero tienes que invertir, porque al final siempre se acaba perdiendo dinero y esas cosas, Ni siquiera piensas en ir asegurado o no, en que tengas cualquier percance tanto en la carretera o allí, o que aparezca una inspección de trabajo para saber si tienes tus papeles en regla. Este tipo de cosas cuando tú estás dando a conocer un proyecto prácticamente no lo piensas ¿Por qué? Porque es todo muy difícil y porque no se puede considerar un trabajo prácticamente hasta que empiezas a vivir de él y a partir de ahí sí que obviamente tienes que enterarte de todo el entramado legal, que si autónomos, que si empresa, que por qué este mismo epígrafe de toreros y muchas cosas que vas viendo poco a poco y que vas aprendiendo. Creo que también es algo en lo que estamos avanzando, de hecho hay iniciativas de varios músicos que están dedicando su tiempo a hacer un sindicato de músicos, hecho por los propios músicos. No sé, son cosas que hace veinte años, cuando empezamos, eran impensables porque todo estaba mucho menos profesionalizado a nivel de la industria independiente. Los grupos que estaban en el mainstream en aquella época, supongo que todos tendrían su seguridad social y todo eso, pero músicos como nosotros, hasta hace bien poco íbamos como podíamos.

Cuando trabajaste en solitario, publicaste en una discográfica indie, que es Limbo Starr, el primero de León Benavente lo autoeditáisteis a través de Marxophone y este segundo lo habéis sacado con Warner ¿Qué se busca con estos cambios? ¿Qué diferencias positivas o negativas puede haber en cada uno de ellos?

Bueno, lo que buscas supongo que es ir viendo las diferentes opciones. Nosotros cuando empezamos a ver el tema firmar con Warner, la gente se extrañaba con lo de firmar con una multi, pero bueno, yo he visto contratos de independientes mucho más abusivos que algunos de multinacionales, entonces ya no sabes muy bien dónde estás. Yo creo que lo bueno es probarlo todo y es lo que hemos hecho, tanto con León Benavente como nosotros por separado. A lo largo de los años hemos estado en plataformas de autoedición, en discográficas independientes, con gente que te ayuda de diferentes maneras, y creo que a los cuatro lo que nos faltaba era probar este tema de la multinacional, que en principio no es que fuéramos reacios, es que tampoco nos lo habíamos planteado. Todavía es pronto para hablar de diferencias, llevamos desde el mes de abril que sacamos el disco con Warner, y todavía nos falta un poco más de tiempo para ver las diferencias reales en hacerlo de un modo o hacerlo de otro. Creo que tiene sus cosas buenas y sus cosas malas, lo fundamental, desde luego, para mí siempre ha sido, por encima de porcentajes, condiciones, etc., que nadie se meta en lo que tú haces a nivel artístico. Esa siempre ha sido una condición que siempre he defendido desde que empecé.

Habéis sacado el disco con Warner, pero vuestra carrera la componen diferentes equipos de trabajo para diferentes áreas ¿Quiénes forman ese equipo de personas que no vemos y que funciones tienen?

Todo el trabajo discográfico, que tiene que ver más con la grabación del disco, edición del disco, incluso promoción, tiene que ver obviamente con Warner. Ellos son con los que hablamos de eso. La otra parte del trabajo musical, lo de llevarlo a directo, tenemos una agencia de booking, que es Emerge, en la cual tenemos un manager que es Marisa Moya, y luego tenemos también una persona que organiza toda la promo que es Tomás Heredero. Con ellos dos son los que solemos trabajar a diario, porque el tema de las discográficas es más de lanzamientos, etc. pero una vez sacas el disco y haces la promo pertinente de los primeros meses, ahí pues el contacto desaparece de alguna manera y en lo que te centras es en el la gira, y ahí además de Tomás y Marisa hay otras personas que están ayudándonos, también con redes sociales, etc. Y esta es la gente con la que trabajamos a parte de nuestro equipo de directo, nuestra crew a nivel técnico, etc.

Vuestra popularidad en México, y otras partes de Latinoamérica, ha crecido de manera exponencial y ahora, cada poco, sale la noticia de una nueva visita. Vosotros ya habíais ido con Nacho, pero ¿Es necesario un buen conocimiento de cómo funciona la industria al otro lado del Atlántico para abordar a una aventura tan costosa?

El problema fundamental es ese, que tiene que haber una demanda real para que te aventures a ir, o que te pasen cosas como nuestra última visita a Chile y Argentina que era como una ayuda del ICEX o cosas de este tipo, porque si no un grupo embarcarse y decir que se va a tocar a México DF, solamente en billetes de avión perfectamente podría utilizar ese dinero para montarte una gira por España de varios meses. Es una inversión grande y hay que ir poco a poco, pero también con tiento. Si decides que ya eres suficientemente conocido en España y te embarcas en aquello, tienes que tener muy claro de alguna manera cómo funciona. Sí que es verdad que hasta que no has ido, muchas veces no te das cuenta de las diferencias de cómo se trabaja allí. Está muy claro que es genial dar ese salto, pero aquello es inmenso, lo que buscas no es ir y tocar para 300 personas como puedes hacer en una sala aquí, lo que buscas es que el crecimiento sea exponencial en un sitio que solo en México DF son 26 millones de habitantes. Entonces piensas en ir poco a poco, en ir aumentando salas, pero también hay un momento en el que tienes que decidir si esa inversión merece la pena, o esperar a una demanda real, que te llamen para tocar en un festival en el que pueda haber más gente, que te ayuden con los billetes, con los hoteles, etc. porque al final por mucha ilusión que tengas y por muy increíble que sea tocar allí, porque lo es, tienes que ir muy al loro porque si no te arruinas.

Supongo que para preparar este tipo de giras con antelación, también os apoyaréis en managements locales, agencias, etc.

Sí, hay diferentes formatos, nosotros al principio contamos con gente de allí que eran freelance, gente que está en México que ha trabajado en el sector, te conocen y empiezan a mover tu grupo o alguna licencia. Hemos ido cambiando tres o cuatro veces. Ahora estamos intentando trabajar con una agencia un poco más grande, pero al final lo que acabas conociendo son más personas que marcas o empresas, y para eso también sirve ir allí, porque verlo todo en la distancia es complicado y bueno, es algo que también hace nuestra agencia, incluso a ellos también les viene bien venir con nosotros y ver las cosas cara a cara, porque es como realmente se ve cómo funciona aquello. Y hasta que no ves cómo funciona es muy difícil que te hagas un hueco.

Información del Postgrado de Gestión Empresarial de la Música de la Universitat de València  aquí o escribe a Laura Ramírez (Universitat de València) laura.ramirez@uv.es

Plazo abierto hasta el 23 de diciembre

ENTREVISTA A LOS DIRECTORES DEL POSTGRADO DE GESTIÓN EMPRESARIAL DE LA MÚSICA

ENTREVISTA A LEÓN BENAVENTE

 

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ENTREVISTA CON LOS DIRECTORES DEL POSTGRADO EN GESTIÓN EMPRESARIAL DE LA MÚSICA DE LA UNIVERSITAT DE VALÈNCIA

El próximo 19 de diciembre, termina el plazo de preinscripción de la sexta edición del Postgrado en Gestión Empresarial de la Música que organizan  Songsforever y la Universitat de València. Una sexta edición en la que orienta su radar a Latinoamérica y refuerza sus contenidos en internacionalización, nuevas tecnologías y materia fiscal. Este reputado postgrado, que de nuevo se realiza en modalidad online, es una valiosa herramienta para un sector tan vivo como el negocio musical y que siempre ha carecido de una unificación de conocimientos que favoreciera su completa profesionalización, por ello, hemos considerado de interés hablar con sus directores – José Nácher (Universitat de València) y Vicente Martínez (Songs for Ever) –  para que nos informen en primera persona de las novedades y el tipo de formación que podemos encontrarnos en este interesantísimo postgrado.

¿Qué novedades hay este año en esta edición del Postgrado con respecto a las anteriores?

La novedad principal es que hemos ampliado notablemente el programa docente incorporando cinco nuevos contenidos: Internacionalización, Nuevas Tecnologías, Music Cities, Régimen Fiscal en las Profesiones de la Música y Búsqueda de Recursos Financieros Públicos y Privados para Industrias Culturales y Creativas.

¿Cuáles son las áreas principales en las que se divide el postgrado?

Gestión empresarial, producción, live, legal, fiscal, laboral, internacionalización, marketing, comunicación, music publishing, management, nuevas tecnologías y distribución musical, todas ellas con el objetivo de dar una visión global del negocio de la música. Con las novedades de esta edición, suman un total de 30 Créditos ECTS.

Hay una parte del postgrado que se refiere a la materia económica y legal de la industria laboral. ¿Es necesario tener algún tipo de conocimiento previo? ¿Se entrega material informativo que pueda quedar como guía?

No es necesario porque se parte de conceptos básicos y los llevamos hasta contenidos muy profesionales. Todos los módulos cuentan con material por escrito muy detallado creado de manera exclusiva para este postgrado. El alumno/a puede descargarlo para consulta cuando lo estime oportuno. Pero, además, hacemos un buen uso del amplio abanico de materiales didácticos multimedia: vídeos a través de un servicio de videostreaming, archivos de powerpoint locutados, bibliografía, enlaces de interés, que son tanto herramientas de apoyo regular como oportunidades para profundizar en el programa del curso.

¿Cuáles son las ventajas para el alumno el hecho de que la metodología del Postgrado sea online?¿

El postgrado se imparte 100% online. La metodología e-learning  a través del Aula Virtual de ADEIT-Universitat de València dota al alumno/a de flexibilidad de horarios y ritmos de estudio. La comunicación entre el profesorado y el alumno es constante durante los módulos, seguimos el método de evaluación continua y también existe un alto grado de atención personalizada por parte de los directores y el equipo del Aula Virtual de ADEIT.

¿Qué perfil tiene el alumno del Postgrado? ¿Hay profesionales que quieren reciclar o completar conocimientos o todo es gente que quiere introducirse en el mercado laboral?

Contamos con los dos perfiles, profesionales que quiere mejorar sus conocimientos en áreas en las que ya trabajan o desean trabajar y alumnos que han tenido o tienen relación con la música de manera esporádica, inicial y/o amateur. También se matriculan artistas que quieren hacer de la música su profesión y que, por tanto, quieren conocer cómo funciona el negocio de la música para gestionar sus propias carreras artísticas o para tener los conocimientos necesarios y poder negociar sus contratos con los agentes de la industria musical.

¿Qué requisitos son necesarios para poder matricularse?

El postgrado está abierto a licenciados, graduados, diplomados, ingenieros, ingenieros técnicos etc. También a Músicos, artistas, iniciados y profesionales de la industria musical con o sin titulación universitaria. Los titulados universitarios obtendrán el título de diploma y los profesionales sin titulación universitaria obtendrán un certificado de aprovechamiento.

¿A qué tipo de salidas profesionales se puede optar con los conocimientos adquiridos?

Dependiendo de la formación y el objetivo profesional del alumno la salida será de un modo u otro, pero, en principio, el postgrado ofrece una visión 360º del negocio de la música y las capacidades para entrar a formar parte en las distintas áreas del negocio en las que dividimos el programa. En el siguiente link puedes ver más detalle http://tinyurl.com/z8en8ez

¿Qué visión aportan las Master Class de profesionales y artistas? ¿Son participativas?

Las Master Class son un contenido adicional, no evaluable y tienen como objetivo hacer un  “estudio del caso” sobre las claves  y análisis de trayectorias empresariales, profesionales y artísticas. Se realizan a través de videoconferencia en directo y son totalmente participativas.

¿Tras las sesiones online se mantiene el contacto para posibles dudas o ampliación de conocimientos?

Así es, las Master Class quedan grabadas y el alumno/a puede acceder a ellas en cualquier momento. A través del coordinador académico y la dirección del curso y el propio profesorado hay un contacto permanente con el alumnado para resolver cualquier duda.

Muchas de las personas dentro de la industria musical, o las que buscan un acceso laboral a la misma, todavía no están en edad de ser nativos digitales. ¿Creéis que es necesario un reciclaje de conocimientos para aprovechar todas las ventajas tecnológicas nos ofrecen?

Es vital adaptarse lo antes posible a la nueva realidad del negocio de la música. En este sentido, el postgrado cuenta con un módulo sobre nuevas tecnologías que ofrece al alumno/a los contenidos necesarios para incorporarse con garantías al sector de la música.

Carlos Goñi, Living Laboratory

Después de cinco ediciones, ¿qué feedback obtenéis de los alumnos que han cursado el Postgrado? ¿Tenéis constancia de casos en los que haya servido para encontrar una salida profesional en la industria musical?

Hemos formado a 135 los alumnos. El nivel de satisfacción en general es alto. Más de la mitad de ellos -un 60%- han conseguido vincularse de una manera u otra al negocio de la música. Tenemos casos de promotores, gestores, músicos, abogados, periodistas, técnicos, productores o disc jockeys a lo largo de todos estos años.

¿Tenéis algún tipo de foro o punto de encuentro con los alumnos de otros años?

Mantenemos el contacto con los exalumnos/as invitándoles todas la ediciones a participar en la master class con artistas y empresas. Bajo el paraguas del postgrado hemos organizado varios cursos y seminarios para ampliar los conocimientos de los exalumos/as. También hemos creado este año por primera vez el evento “Music Business Networking”, que tuvo lugar en el en el Impact Hub Madrid, al que asistieron profesionales del sector, profesores del postgrado y exalumnos. Y, en plan primicia, estamos ya contemplando la posibilidad de organizar actividades en las que nuestros exalumnos y otros interesados puedan conocer proyectos y organizaciones que financian a las industrias culturales y creativas.

¿Habéis tenido contacto con empresas del sector musical que requieran gente preparada o con conocimientos básicos en diversas áreas y les sea difícil encontrarlos?

Afortunadamente, cada vez más hay personas que se van incorporando al negocio de la música que han podido formarse en proyectos como el nuestro y que, por tanto, entran en el mercado laboral con los conocimientos básicos adquiridos.

¿Creéis que el amateurismo o la escasa o nula preparación son clave en el fracaso de muchos proyectos del sector?

Es necesario prepararse para competir en un mercado global y conocer cómo funciona el negocio de la música en tu país y cómo puedes exportar tus contenidos a otros territorios. Nosotros facilitamos las herramientas y los contenidos para que los proyectos sean lo más racionales económicamente hablando.

La música nacional tiene un enorme mercado abierto en Latinoamérica, pero parece demasiado lejano para quien no tiene las conexiones o desconoce cómo funciona el negocio al otro lado del charco ¿En qué medida puede ayudar este Postgrado para facilitar la posibilidad de dar este salto?

Hemos incorporado un módulo específico de internacionalización  orientado a Latinoamérica y al mercado de música latina en EE.UU con el objetivo de que conozcas las claves para poder internacionalizar tu proyecto.

¿Participan o hay implicados representantes de la industria musical latinoamericana en esta edición?

Un número importante de las Master Class de este curso  se centran en la realidad de negocio de la música en Latinoamérica, impartidas por profesionales del sector en  colaboración con algunas de las asociaciones, instituciones y empresas más relevantes de América Latina como SOL (Sonidos Latinos), NODO de Música – IMI CHILE (Industria Musical independiente de Chile), Kids On Coffee (Perú), 432 Hertzios (Argentina), REDPEM.IB (Red de Periodistas Musicales de Iberoamérica) y MMF LATAM (Asociación Latinoamericana de Managers Musicales) y ULM (Universidad Libre de Música, México).

¿En que consiste el proyecto final y quiénes son los tutores?

Los alumnos/as tienen que elaborar un proyecto final individual sobre un supuesto real tutelado por Mariano Pérez (consultor Warner Music Spain, anteriormente Presidente Warner Music Spain & México), Carlos Galán (fundador y director Subterfuge Records) y la dirección del curso.

¿Qué artistas participan este año en las master class con artistas?

Abraham Boba (compositor, autor e intérprete del grupo musical “León Benavente”) e Ileana Cabra (compositora, autora e intérprete ” iLe “- Puerto Rico, ex Calle 13).

Abraham Boba – León Benavente

iLe ha sido nominada en la última edición de los Latin Grammy como mejor nuevo artista por su álbum “ilevitable”. León Benavente es actualmente uno de los grupos más relevantes de la escena musical nacional.

iLe

¿Quién forma el profesorado del curso?

Los profesores de la Universitat de València suponen un tercio del claustro docente y haciéndose cargo de las áreas más teóricas y coordinando la totalidad del programa y sus módulos garantizan el rigor propio de la academia con respecto a los conocimientos y capacidades ofrecidas. El resto de la docencia está cargo de reconocidos profesionales de la industria musical y artistas, con una oferta de contenidos muy práctica y totalmente actualizada. Un total de más de 50 profesores/as

¿Qué empresas colaboran en el postgrado?

Contamos con la colaboración y el apoyo de algunas de las empresas, instituciones y asociaciones más relevantes de la industria musical de Latinoamérica y de nuestro país. Podemos destacar a las siguientes:

432 Hertzios (Argentina) / A.R.T.E (Asociación de Representantes Técnicos del Espectáculo) / AGEDI (Asociación de Gestión de Derechos Intelectuales) / Altafonte / Arenal Sound / By THEFEST / Charco / Deleste Festival / Epicentro (Costa Rica) / FIB (Festival Internacional de Benicàssim) / Familia Palmer / Gallego_Rivas (banking law entertainment) / Girando por Salas / Kids on Coffee (Perú) / MMF LATAM (Asociación Latinoamericana de Managers Musicales) / MMF Spain (Music Manager Forum Spain) / NODO de Música-IMI CHILE (Industria Musical Independiente de Chile) / Plataforma C / PrimaveraPro / Promociones Sin Fronteras / Promoción Musical / REDPEM.IB (Red de Periodistas Musicales de Iberoamérica) / SFE Songsforever / SOL (Sonidos Latinos) LATAM / Sociedad General de Autores y Editores. SGAE / Sony Music España / Subterfuge Records / Tranquilo Música / Trànsit Projectes / UFI – Unión Fonográfica Independiente / ULM (Universidad Libre de Música, México) / Warner Music Spain / Zona de Obras

Información para realizar la preinscripción aquí o escribe a Laura Ramírez (Universitat de València) laura.ramirez@uv.es

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ALHAMBRA SOUND FESTIVAL: MANUAL DE USO

El verano no quiere despedirse, y los festivales continúan salpicando la geografía española. El próximo sábado, 20 septiembre, la Feria de Muestras de Armilla (Granada) acoge la tercera edición del Alhambra Sound Festival, que ya ha agotado las entradas. No puede decirse que su cartel sea el más original de la temporada, pero eso no es óbice para que la gente se apunte a pasarlo bien. El viernes, día 19, se celebrará una fiesta de presentación que tendrá como protagonistas a Miss Caffeina (presentes ya en la edición de 2013), pero la jornada fuerte será la del sábado. Repasamos los principales nombres del festival.

 

 

Los noruegos Kakkmaddafaka, única representación internacional del cartel, le están cogiendo el gusto a visitar España, donde comienzan a ser viejos conocidos. Pasaron por el Arenal Sound el año pasado, hicieron gira por nuestro país en noviembre de 2013 y volvieron otra vez en abril de este año. Todo un récord para una banda de corte indie, joven, amable y sin complicaciones, que se mueve con fluidez en diversos estilos (pop, dance, rap, reggae) sin destacar en ninguno, pero que garantiza la fiesta, al fin y al cabo el objetivo de todo festival, y seguramente el motivo de su éxito entre la chavalada.

 

 

Baza infalible en cualquier evento masivo que se precie, los madrileños Vetusta Morla están viviendo una de sus mejores temporadas, a raíz de la publicación de “La deriva”, un esperado tercer álbum que se anunció urgente en el sonido y comprometido en los textos, marcados por la crisis actual, pero que en esencia se mantiene fiel a su trabajos precedentes. El disco llegó tras el “Concierto benéfico por el Conservatorio Narciso Yepes de Lorca”, que grabaron con la Orquesta Sinfónica de la Región de Murcia (para recaudar fondos destinados a la reconstrucción del centro), y de “Los ríos de Alice”, un álbum instrumental concebido como banda sonora para un videojuego.

 

 

Y hablando de Vetusta Morla, no sería exagerado decir que Izal (que ya estuvieron en el Alhambra Sound Festival el año pasado) ha sido uno de los grupos más beneficiados de su éxito. Utilizando coordenadas sonoras muy similares, la banda liderada por Mikel Izal (en la foto superior) ha logrado en apenas un año situarse entre los grandes del pop español, a rebufo de un segundo álbum titulado “Agujeros de gusano” que ha supuesto su consagración. En la entrevista que les hicimos hace unos meses, no dudaban en reconocer la influencia: “El fenómeno Vetusta Morla lo ha eclipsado todo durante mucho tiempo. Fue el que abrió camino, y como pionero, todo lo que viene detrás del mismo estilo ha de ser comparado necesariamente. Nos parece que es un gran grupo y es un honor que se nos compare, pertenecemos a un mismo estilo musical”.

 

 

Más tiempo llevan saboreando las mieles del éxito los granadinos Lori Meyers. Aunque en su día fueron muy criticados por abandonar la independencia y marcharse a un gran sello, decisión que también terminó modificando su sonido, el cambio se ha traducido en un cuantioso aumento de público, lo cual comporta también una mayor presencia en festivales. “Impronta” (2013) no hizo más que consolidar su posición de privilegio, y en sus shows de este año están contando con la presencia de Anni B Sweet (pareja del vocalista, Noni López) para cantar el tema “El tiempo pasará”. Teniendo en cuenta que, además, tocan en su tierra, seguramente ofrecerán uno de los conciertos más emotivos de la jornada.

 

 

También son granadinos Napoleón Solo, que hace dos años publicaron su segundo álbum, titulado “Chica Disco” y producido por Emmanuel del Real, de los mexicanos Café Tacuba. La banda que encabeza el cantante Alonso Díaz sigue elaborando canciones pop de raigambre clásica y aderezo indie, a la espera de que llegue el momento de dar el salto y acceder a la primera división de la escena estatal, donde se ha situado nada más llegar y con una facilidad pasmosa León Benavente, grupo en el que confluyen músicos de la banda de Nacho Vegas, Tachenko o Schwarz, al dictado de un Abraham Boba que se está resarciendo del escaso eco que obtuvieron sus trabajos en solitario. Una formación que funciona a partir de dos fuerzas motrices. Por un lado, el arsenal melódico de Boba, potenciado por su imaginativo uso del Farfisa, que contrasta con el tratamiento rock de unos temas que crecen y se desarrollan con una potencia que parte del otro motor del cuarteto: la base rítmica. Están arrasando allá por donde pasan.

 

 

Hubo quien pensó que The Sunday Drivers cometían un error al separarse, pero no puede decirse que a los miembros del grupo les haya ido mal desde que tomaron la decisión. Especialmente al vocalista Jero Romero, que ha editado dos discos de éxito recurriendo del micromecenazgo. El segundo lleva por título “La grieta”, apareció este mismo año y ratificó su voluntad de trabajar con elementos cercanos al soft rock americano, en la estela de reputados cantautores como Josh Rouse. La sutileza y la pulcritud sonora que destila su banda de acompañamiento en directo es una de sus grandes bazas sobre el escenario, como demostró, por ejemplo, en su última visita al Festival de Benicàssim.

 

 

Y si Izal y Miss Caffeina repiten del año pasado, Second regresan al Alhambra Sound Festival después de participar en su primera edición, en 2012. Su triunfo es el de la perseverancia: Cuando nadie hablaba de las posibilidades comerciales del sonido indie, hace nada menos que catorce años, ellos ya andaban grabando canciones de inspiración británica. De hecho, cantaban en inglés. Pero con el tiempo fueron asimilando otras influencias, cambiaron al castellano y, cosas del destino, les acabó alcanzando la ola de la moda, que ellos supieron aprovechar inteligentemente. “Montaña rusa”, su último trabajo, lleva la firma en la producción de Sebastian Krys, el hombre que lanzó al estrellato a Lori Meyers en “Cuando el destino nos alcance”. Efectivamente, los murcianos saben lo que se hacen.

 

 

Completando el cartel, Sexy Zebras, Full, Neuman, Genérica y la preceptiva selección de DJ’s (Elyella, The Zombie Kids, Dani Less). La penúltima fiesta del verano está servida.

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SANTANDER MUSIC FESTIVAL 2014: MANUAL DE USO

Hace unos años, parecía que el Santander Music Festival optaba a convertirse en una de las grandes citas estivales del norte del país. La presencia de nombres internacionales como Belle & Sebastian, The Dandy Warhols y White Lies (en 2010), de Mando Diao, The Pains of Being Pure at Heart y Crystal Fighters (en 2011), o de !!! (Chk Chk Chk), Fanfarlo y Clap Your Hands Say Yeah (en 2012), apuntaba a un crecimiento moderado pero constante, que el año pasado pareció estancarse (solo Keane y Calvin Harris). De hecho, daba la sensación de que el festival, que completaba el cartel con la ristra de artistas estatales habitual, no acababa de dar el estirón. Una idea que se confirma en la presente edición (la sexta), en la que se echan en falta artistas internacionales de peso. En todo caso, la Península de la Magdalena, en Santander, se prepara para disfrutar de tres días de música (del 31 de julio al 2 de agosto) en los que no faltarán los alicientes. Esta es la selección byTHEFEST, a razón de tres nombres por día.

 

 

JUEVES 31

Antes de hacer escala en el Arenal Sound (donde actuarán el sábado, 2 de agosto), pasará por Cantabria la banda danesa The Asteroids Galaxy Tour, liderada por la vocalista Mette Lindberg y el productor Lars Iversen. Pueden encajar en la escena indie, pero también en coordenadas acid jazz, y dieron el salto a la fama gracias a “Around the Bend”, canción utilizada en una campaña de Apple. Su puesta en escena es ideal para festivales, con una sección de viento de seis piezas que favorece la dinámica bailable de un repertorio que llegó a cautivar a Amy Winehouse, fan declarada de la banda desde que escuchó su primera maqueta.

 

 

Los espectáculos de Standstill no siempre se ajustan de manera adecuada a los espacios abiertos. Su carácter conceptual y el cuidado que ponen en el diseño del entorno escénico dificulta a veces su traducción a recintos multitudinarios. Por eso valdrá la pena comprobar cómo adaptan el singular universo de “Dentro de la luz”, su último disco, a las exigencias del Santander Music Festival. Enric Montefusco y su banda se han labrado una intachable reputación a lo largo de una trayectoria que se inició en el hardcore y cantando en inglés, pero que dio un giro radical con “Vivalaguerra” (2006), disco autoeditado con el que abrieron una exitosa etapa en la que no han dejado de asumir riesgos. Demasiado intelectuales para unos, rabiosamente singulares para otros, lo cierto es que no tienen parangón en nuestro país.

 

 

El caso de León Benavente es curioso. David Cobas (más conocido como Abraham Boba) y Luis Rodríguez, ambos pertenecientes a la banda de Nacho Vegas, Eduardo Baos (Tachenko) y César Verdú (Schwarz) son músicos de largo recorrido y afán estajanovista, pero nunca habían gozado en sus respectivos proyectos anteriores del reconocimiento que están obteniendo desde que se publicó su primer álbum. Su presencia en festivales se ha multiplicado, sus canciones son coreadas como auténticos himnos y no sería de extrañar que pasaran a engrosar pronto la lista de bandas independientes de alcance masivo. Un EP de cuatro canciones titulado “Todos contra todos”, que incluye una versión de Ilegales (“Europa ha muerto”), ha prolongado un momento dulce que coincide (cada uno en su estilo) con el de los dos artistas que completan la alineación del día: Izal e Iván Ferreiro.

 

 

VIERNES 1

Empezando por el final, la guinda de la segunda jornada correrá a cargo de 2Many Dj’s. La pareja de disc jockeys belgas (en la foto superior) lleva años recorriendo el mundo y poniendo a la gente a bailar con sus irresistibles mash-ups. Bien es cierto que la fórmula no se renueva y que, vistos (y disfrutados) un par de veces, el factor sorpresa se diluye, pero no se puede negar su capacidad para mezclar rock, electrónica, dance, hip hop y lo que se les ponga por delante con una habilidad, gusto y sentido del humor difíciles de encontrar entre su legión de imitadores. Auténticas enciclopedias musicales, poseen recursos suficientes para convertir el recinto en una fiesta histórica.

 

 

Archie Bronson Outfit pasaron recientemente por el Vida Festival para presentar “Wild Crush”, su cuarto disco, donde el ahora dúo británico (formado por Arp Cleveland y Sam Windett) mantiene el ingrediente blues-rock con aliño psicodélico que es su seña de identidad en temas como “Cluster up and hover”. Pero pocos grupos en su órbita pueden también evocar a Suicide (“Lori from the outer reaches”) o citar el “I’ll be your mirror” de The Velvet Underground (en “Glory, sweat, and flow”). Un intenso viaje del blues al krautrock en nueve canciones que, seguramente, formarán la columna vertebral de su show en Santander.

 

 

En la misma jornada en que La Habitación Roja y Love of Lesbian también visitarán el festival, El Columpio Asesino hará escala en Cantabria de camino al Arenal Sound. Como muchas otras bandas estatales, los navarros se están pasando el verano yendo de un festival a otro (vienen del Low), para engrasar sobre los escenarios los temas de “Ballenas muertas en San Sebastián”, su estupendo nuevo álbum, en el que logran la amalgama perfecta entre sus influencias de siempre, a saber: El underground neoyorquino de finales de los setenta (Suicide, ESG), los grupos kraut (Beak), la música industrial (Einstürzende Neubauten), el tecno pop (Soft Cell) y los clásicos atemporales. Dinamita pura en directo de la mano de una banda recientemente premiada en México, que es capaz de traducir el desasosiego actual en canciones sin necesidad de caer en recursos obvios.

 

 

SÁBADO 2

Además de Sidonie y Templeton, el último día del Santader Music Festival desfilarán por el escenario Vetusta Morla. Como acaban de pasar por el Low Festival, nada mejor que recordar las palabras de nuestro compañero Eduardo Guillot, que no quedó del todo convencido tras su concierto en Benidorm: “Al directo de Vetusta Morla no se le pueden hacer reproches. Un grupo de sus dimensiones debe ofrecer un espectáculo de primer orden, y los madrileños se apoyan en un diseño de luces y una puesta en escena intachables, desde el telón que se viene abajo a la media hora de concierto hasta los visuales que ilustran las canciones. El problema es que si no se conecta con sus canciones, todo ese envoltorio no es suficiente. En sus discos se puede apreciar con detalle su interés por las texturas y las capas de sonido, pero en directo son una banda de rock bastante convencional, y esos matices (que suelen ser los que propician las comparaciones con Radiohead) se pierden en el marasmo de decibelios que proyecta el grupo. Algo parecido pasa con Pucho, su vocalista, de una profesionalidad fuera de duda, pero poco convincente cuando se adentra por vericuetos existenciales”.

 

 

El regreso de los mallorquines Sexy Sadie ha sido uno de los más curiosos de la temporada. En su momento fue un grupo apreciado por la crítica, pero que no despegó a nivel masivo, quizá porque se expresaba en inglés, y en los últimos tiempos dos de sus componentes (el guitarrista y cantante Jaime García Soriano y el batería Toni Toledo) parecían suficientemente ocupados como músicos de directo de Amaral. Sin embargo, han decidido regresar a los escenarios, donde habrá que comprobar cómo funciona actualmente un repertorio que siempre fue adaptándose a las modas alternativas: Empezaron sonando grunge, pasaron por su etapa indie-pop y finalmente acabaron sacando a relucir sus influencias progresivas, sin quedarse nunca en territorio definido. ¿A la segunda irá la vencida?

 

 

Cerramos el repaso con Glass Animals, una joven banda de Oxford que editó su primer disco, “Zaba”, el pasado mes de junio, y que podría ser la revelación del festival. Amigos desde la adolescencia, a los cuatro componentes del grupo se les abrió el cielo cuando se fijó en ellos el productor Paul Epworth (Coldplay, Bloc Party, Primal Scream), que los fichó para su sello Wolf Tone. A partir de ahí, un EP en el que destacaba el tema “Black Mambo” sirvió para darles a conocer y ponerles en el disparadero. El directo dictará sentencia sobre ellos. Y será en Santander. ¡Empieza el espectáculo!

 

Leon Benavente

LEÓN BENAVENTE: EN MEDIO DE NINGUNA PARTE

La primera reacción es la precaución. Cuando se anuncia la puesta en marcha de un proyecto paralelo integrado por músicos ilustres es lógico aproximarse a él con reservas. Especialmente porque su continuidad suele ser complicada. En el caso de León Benavente, la cautela es comprensible, ya que sus componentes aunaban esfuerzos con un objetivo inicial muy claro: Aprovechar una beca de residencia del Red Bull Studio destinada a propuestas de corte experimental.

De este modo nacía un cuarteto formado por Luis Rodríguez y David Cobas, ambos pertenecientes a la banda de Nacho Vegas, Eduardo Baos (Tachenko) y César Verdú (Schwarz). Músicos de largo recorrido y afán estajanovista: David Cobas posee una sólida carrera en solitario bajo el nombre artístico de Abraham Boba, mientras que César Verdú se desdobla con frecuencia en labores de productor y técnico de sonido (para el propio Nacho Vegas o grupos como La Habitación Roja y Chucho).

No es la primera vez que se produce el fenómeno en la escena independiente estatal. Recuérdese Fantasma #3, donde coincidieron Pau Roca (La Habitación Roja), Julio de la Rosa y Sergio Vinadé (Tachenko). Grabaron un notable álbum (“Los amores ridículos”, 2006) y ofrecieron algunos conciertos, pero el proyecto no tuvo continuidad.

Esta vez también hay disco en la calle, editado por Marxophone, titulado con el nombre del grupo y presentado en sociedad mediante un texto de Nacho Vegas que va más allá de las pleitesías de la octavilla promocional al uso, para situar a la banda “en medio de ninguna parte”, por su condición de anomalía en el contexto rock español, pero también usando la potente imagen metafórica para aludir a las numerosas referencias espaciales que salpican el debut de un grupo que toma el nombre de dos ciudades e incluye abundantes alusiones geográficas en las letras de sus canciones.

Los textos son, precisamente, una de las grandes bazas de León Benavente. Quizá ya no sea tan cierto que resulta difícil encontrar letras en castellano con categoría literaria, pero siempre es motivo de alegría tropezar con escritores de canciones capaces de dar una nueva vuelta de tuerca a los asuntos del amor (esa guerra interminable) o de hablar de la realidad más cercana sin recurrir al tópico o al panfleto.

En cuanto al material sonoro, la banda parece funcionar a partir de dos fuerzas motrices. Por un lado, el arsenal melódico de Abraham Boba, potenciado por su imaginativo uso del Farfisa. Su conocida faceta de cantautor crepuscular  contrasta con el tratamiento abiertamente rock de muchos temas, que crecen y se desarrollan con una potencia que parte del otro motor del cuarteto: la brutal base rítmica. César Verdú ha ido depurando con Schwarz una aproximación al krautrock que aquí copula con las guitarras al inconfundible estilo de Six by Seven en ese auténtico disparo a bocajarro que es “La palabra”, y que también conduce hacia el infinito “Ser brigada”, la canción que cierra el álbum y cuyo recitado recuerda el “Kill the mosquito” de El Hombre Burbuja. Un corte que cuenta con la guinda de la colaboración de Cristina Martínez (la de El Columpio Asesino, no la de Boss Hog).

Hay otra voz femenina en el disco, la de Irantzu Valencia (La Buena Vida), que engrandece “La gran desilusión” (¿una referencia a Jean Renoir?), pero el grupo evita el habitual desfile de invitados y colaboradores que suele ahogar muchos discos españoles recientes. Los cuatro implicados tienen las ideas claras, y quizá el trayecto de su viaje no esté marcado todavía y dependa del destino, pero tienen un mapa repleto de señales, una hoja de ruta que conjuga energía rock y capacidad lírica como solo músicos tan experimentados pueden hacerlo.

Prueba de ello es el EP que ha seguido a la edición de su álbum. Un disco de cuatro canciones titulado “Todos contra todos” que incluye una versión de Ilegales (“Europa ha muerto”) y que supone un excelente complemento de su debut (de hecho, se han editado juntos en CD). Ojo con ellos: Son ambiciosos y saben cómo conseguir sus objetivos.

Eduardo Guillot