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MONKEY WEEK 2015: JÄGERMUSIC SHOWCASE

Por segunda vez consecutiva, el programa musical de Jägermeister desembarca en Monkey Week con las nuevas apuestas de Jägermeister Showcase. Durante dos jornadas del festival, concretamente el sábado 10 y el domingo 11 de octubre, podremos disfrutar de un total de 8 bandas en un escenario tan singular como atractivo, ubicado en el Muelle del Vapor. Estas ocho bandas representarán, una edición más, esa escena musical estatal emergente de la que tan cerca se encuentra Jägermusic durante todo el año.

Destaca en esta cuidadísima programación el equilibrio entre propuestas musicales en plena efervescencia con otras más consolidadas. Es el caso, por ejemplo, de los pujantes pero ya veteranos The Suicide of Western Culture, que presentan disco a finales de este septiembre con El Segell del Primavera, uno de los sellos por cierto participantes en el Mercado Profesional de esta edición de Monkey Week. Otra banda con trayectoria a sus espaldas a pesar de su juventud es Disco las Palmeras!, que presentarán las canciones de “Asfixia”, un disco con el que se han confirmado como una de las formaciones esenciales en el panorama alternativo nacional. Repetirán actuación los gaditanos Holögrama, una de las revelaciones del pasado FIB y que tras participar en la ya clásica Jägermeister Opening Night –la habitual fiesta de bienvenida en la Sala Mucho Teatro- del viernes, llenarán también con su kraut espacial el Muelle del Vapor y sus aledaños, la Avenida de la Bajamar junto al río Guadalete. También en la onda psicodélica pero en un terreno más cercano al pop tropical con beats electrónicos hallaremos a los catalanes Ocellot, sin duda una de las apuestas más firmes por convertirse no solo en sensación dentro de nuestro país, sino también fuera de nuestras fronteras, como demuestran sus actuaciones en el Escenario Pitchfork del pasado Primavera Sound o en el reverenciado SXSW de Austin, Texas, y que llegarán a Monkey Week para presentar las canciones de su segundo trabajo, “Jelly Beat”, editado por Foehn Records. Otros dispuestos a hacernos bailar son los gallegos Músculo!, que han demostrado ya sus muchas virtudes en citas como BBK Live Low Festival. No menos imprescindibles encontraremos a dos de las perlas más brillantes en la escena más rabiosamente actual: The Zephyr Bones (en la foto de portada), capaces de aunar el pop más psicodélico con el noise más ejemplar, y sus colegas gallegos Sen Senra, el peculiar proyecto de Christian Senra, un crooner lo-fi con indiscutible poder de seducción. Para finalizar, la electrónica de baile del dúo Olde Gods, el nuevo proyecto de house analógico compuesto por el músico catalán Guillamino y JMII, que en solitario milita en el prestigioso sello de John TalabotHivern Discs.

Ocho propuestas, en suma, que ratifican el excelente estado de salud de la escena nacional y el compromiso con ella de una iniciativa tan necesaria como Jägermusic. Este programa musical de Jägermeister tiene como objetivo apoyar a aquellas bandas que llevan impresos unos atributos con los que la marca alemana se siente cómoda e identificada: frescura, talento y personalidad.

Jägermusic Showcase se celebrará los días 10 y 11 de octubre en el Muelle del Vapor, uno de los espacios más singulares de Monkey Week 2015.

Monkey Week 2015 se celebrará los próximos días 9, 10 y 11 de octubre en El Puerto de Santa María (Cádiz).

Toda la información del Monkey Week en: http://bythefest.com/festivales/monkey-week/

“GRAND BATTEMENT” ES EL NUEVO TRABAJO DE CLARA PLATH

Grand Battement: Expresión francesa cuyo significado en español es ‘gran lanzamiento’ y designa un paso del ballet clásico, es el nombre del esperadísimo primer disco largo del grupo murciano Clara Plath, banda que estará en la próxima edición del Lemon Pop el 4 de septiembre,  quinto grupo emergente nacional 2013 Disco Grande en Radio 3 y que publicó en mayo 2014 el Mini L.P. “Hi Lola !!”.

Grand Battement contiene 10 temas, 9 de los cuales han sido grabados durante los meses de febrero a abril en los estudios Primavera en el Atlas por Constantino López “Constan” (ChambaoL’ham de foc) y producidos por Jose Luis Manzanero, y uno más grabado en Loopers Estudio por José Ludeña, incluye además alguna sorpresa extra en formato bonus track.

La banda se forma en marzo de 2013. La forman Clara: Voz y guitarra, Rober: Teclados, guitarra y coros, Gabi Holden: Guitarra, Miguel Ángel: Bajo y Sergio Nicolei: Batería. Debutó en directo en septiembre del mismo año, en la XIX edición del festival Lemon Pop. Su “lirismo sónico” evoca la crudeza de las primeras grabaciones de PJ Harvey, el desgarro guitarrero del grunge, la espontaneidad de dEUS, pasando por la oscuridad propia del “noise pop” y el brillo melódico de The Smiths.

En este nuevo trabajo encontramos una exquisita mezcla de rock, pop, incluso algunos ritmos danzarines, una gratificante mezcla de sedosas y ásperas melodías, interpretadas con sensibilidad y pasión, con una voz que evoca sutilmente a alguna gran dama del rock, calma y tormenta, suavidad y rudeza.

En el año y medio de existencia Clara Plath ha participado en festivales como el Lemon Pop 2013Microsonidos 2014 y 2015QFestival 2014Linksound Festival, Big Up 2014.

Próximas actuaciones:

- 10/07/2015. Terraza Pita Sound. Almería.

- 04/09/2015. XX Lemon Pop Festival. Murcia.

- 19/09/2015. Fnac Murcia.

- 20/09/2015. Fnac Alicante

- 3 de octubre de 2015. Sala Stereo Alicante.

- 21 de noviembre de 2015. Sala Siroco. Madrid

Toda la información del Lemon Pop en: http://bythefest.com/festivales/lemon-pop/

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CUESTIONARIO DJ: MAN POP

Habitual en salas y festivales por toda la geografía española, Man Pop ha visto recientemente reconocida su labor por la prestigiosa radio/fanzine “El Planeta Amarillo”, que le otorgaba el premio “Mejor DJ 2014”. No es algo nuevo; en 2012 los lectores de la prestigiosa revista RockDeLux le concedían el 2º puesto en la lista de DJs Nacionales y los oyentes del programa Salsa De Carne le otorgaban el “Premio Carnaza” al “DJ del Año”.

Has visto su nombre en el cartel de numerosos festivales nacionales: FIB, Sonorama, Contempopránea, Lemon Pop, Low Festival, Anfi Rock, South Pop Isla Cristina, Aspesuena, Palm Fest, Plasti de Pop, Festival Castillo de Aínsa, BackBeat Weekend, EnoFestival, Día de la Música o Ribeiro Son de Viño, entre otros. Igualmente, numerosas salas a lo largo de la geografía nacional han contado con su presencia estos últimos años. En Madrid ha coordinado las sesiones como residente en el emblemático Fotomatón y creó las “Sesiones IndiEgenas” en Costello Club, además de ser habitual en otras salas de la capital: Siroco, Wharf-73, Garage Club, IndieVisión, La Noche Boca Arriba, Madklyn, Independance o los añorados Mixtape, Bizarro, Truman o Al´Laboratorio.

Se define a sí mismo como “Selector Musical” más que como DJ al uso. Versátil, inquieto y curioso, a veces sorprendente pero siempre elegante, vive en busca de la canción perfecta; en sus sesiones hay espacio para todo tipo de sonidos, siempre bajo el denominador común del pop: hits de 80´s, 90´s, indietrónica o shoegaze se mezclan con clásicos y las últimas novedades sin olvidar el a menudo marginado indie pop nacional. “Una sesión es demasiado corta para seleccionar algo que no sean temazos.”

Viene de participar hace un par de semanas en el SOS 4.8 y estará dentro de otro par en el Contempopránea, pero hoy responde a nuestro Cuestionario DJ.

(Al final del cuestionario podrás escuchar un Mixtape de Man Pop junto a Don Fluor)

Nombre de Batalla:

Man Pop (Dj, delante o detrás, aunque últimamente intento evitarlo. No soy un Dj, me considero solo un selector musical).

Estilo/s musical:

Pop, indietrónica, 80s, 90s,… un poco de todo.

Herramientas de trabajo:

Cds, siempre. Soy un clásico.

¿Dónde y cuándo empezaste a pinchar?

En el Fotomatón Bar de Madrid, casi por casualidad y con bastante respeto por la propuesta que me hizo el programador, en 2.007. No me atreví a enfrentarme sólo a la cabina y lo hice con mi amiga Pilar que me animó enormemente. Éramos de aquellas “Entresemana Djs”,  porque pinchábamos los jueves.

Festivales en los que has actuado:

Contempopránea, FIB, Sonorama, SOS 4.8, Low Festival, South Pop y Anfi-Rock (Isla Cristina), Día de la Música, Plasti de Pop, Lemon Pop, Palm Fest, Aspesuena, F. Castillo de Ainsa, Enofestival, Ribeiro Son De Vinho, Madrid Popfest, Backbeat Weekend… seguro que me dejo alguno. Estuve en cartel del Easy POP Weekend (además, aquella resultó ser la última edición) pero no pude asistir por un asunto familiar. También he participado en diversas Fiestas de Presentación y after-festivales.

¿En cuál de ellos crees que hiciste tu mejor sesión?

Eso lo debería decidir la gente, no sé. Para mí, tal vez la primera vez en el Contempopránea. Fue muy emocionante;  aquella era mi 10ª visita como público. De algún modo lo tomé como un premio.

De entre los que todavía no has participado, ¿en que Festival te gustaría pinchar?

En cualquiera que con un poco de criterio quiera contar conmigo. Me han hablado muy bien del MBC Fest (guiño-codazo-guiño).
Me gustaría hacerlo en alguno fuera de España, como experiencia.  Conozco el Primavera Oporto; este o el Paredes de Coura serían perfectos.

¿Sueles acudir como público a los Festivales? ¿Cuáles?

Por supuesto. A cuantos más, mejor.  Desgraciadamente, por calendario y bolsillo resulta imposible, pero he estado como público en casi todos con los que he tenido la suerte de colaborar.

¿Qué compañeros admiras o te gustan más?

Coincidí sobre el  escenario de Ainsa con Lindstrom y me impresionó. También recuerdo una sesión maravillosa de Bob Stanley de St. Etienne; por lo general admiro a todos los compañeros, especialmente cuando tienen algo que decir y son capaces de conectar con el público. Considero más importante la empatía (saber “leer el partido”) y la selección que la técnica. Últimamente estoy trabajando con Don Flúor, un gran Dj y productor manchego afincado en Murcia, y estoy aprendiendo mucho de él.

Una anécdota que te haya pasado pinchando en un festival:

¿De verdad hay que contarlas? Hay mil, jajaja. La primera vez que me llamaron para pinchar en un festival me presenté  sin auriculares, un técnico me dejó los suyos un rato pero al poco me los quitó y tuve que seguir pinchar a ojo. No debió salir mal del todo, porque me han seguido llamando.

¿Has conocido a algún artista del que hayas sido fan pinchando en algún festival?

Por supuesto, el ambiente es muy distendido en los backstages, si obviamos a las grandes “estrellas”, puedes hablar con cualquiera, se ofrecen a hacerse fotos contigo, algunos te felicitan por la sesión, es fantástico.

¿En que horario te sientes mejor o más cómodo pinchando?

Cada horario tiene su encanto. Me gusta el atardecer, cuando anochece; la gente es más receptiva y no tienes que recurrir tanto al “bombo”. Es una gran oportunidad para seleccionar “canciones bonitas” que suelo decir.
Ah, y ver amanecer sobre un escenario es una experiencia -que también he vivido- espectacular.

Cuando eres el que cierra la noche, ¿Cómo te concentras? ¿Qué sueles hacer hasta esa hora? ¿Tienes alguna costumbre fija? ¿Alguna superstición?

Me suelo poner nervioso, tengo algo de ansiedad. Me gusta dar una vuelta por el recinto, confundirme con el público y de algún modo empaparme de su feeling, adivinar qué les puede gustar, sorprender, hacer bailar… Si hay alguien pinchando antes presto atención a su set,  siempre se aprende.

Una canción fetiche que suela aparecer habitualmente en tus sesiones:

Van variando, pero “Impossible” de Shout Out Louds es tal vez el tema que más veces he seleccionado.

El Hit de esta temporada que te tenga atrapado:

He descubierto hace poco a Prince Innocence, “Golder Hour” es uno de mis fijos este año.

La canción perfecta para cerrar una sesión:

También depende del lugar, hora, público, pero “Música para cerrar la discotecas” de Doble Pletina me parece a menudo una gran elección.

https://soundcloud.com/djmanpop

Mixtape de Man Pop junto a Don Fluor:

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CUESTIONARIO DJ: EME DJ

Marta Fierro es EME DJ, una conocida exponente en la música electrónica nacional. Ha participado en numerosos festivales, ha pasado por casi todas las salas de nuestra geografía, y además de numerosos remixes a importantes grupos nacionales, ha comenzado a sacar sus propios trabajos con un notable reconocimiento.

A comienzos del milenio, esta gallega se muda a Madrid, donde se convierte en una habitual de los garitos más conocidos de Malasaña, llegando a obtener una residencia en el Low Club y convirtiéndose en una referente de los DJs de indie/pop/rock. Comienza a pinchar en festivales como el FIB, 981, Lemonpop, y a moverse por varias salas por toda España y también Londres. A pesar de todo, decide hacer una pausa en su carrera para mejorar sobre sus métodos de trabajo y su estilo, donde se aleja de las guitarras y busca un sonido orientado hacia la música más bailable.

En 2009 vuelve a la escena con un estilo más electrónico y pasa una temporada en Barcelona, donde es residente de la sala Razzmatazz una temporada. El año siguiente se produce un punto de inflexión de su carrera, con su participación en el Sonar de Barcelona y su vuelta a las salas importantes. A partir del 2011 se centra en la producción y realización de remixes, como el de “Errante” de Niños Mutantes, aunque realiza muchos más con la colaboración del DJ Fiumichino y los músicos Couenmain, Will Beck, Continental Breakfast, David Van Bylen y José Contreras a grupos como Love Of Lesbian, Minitel Rose, Metric, Fuel Fandago, Varry Brava, Dover, We Are Standard, Russian Red etc.

En 2013 ficha por Subterfuge Records, donde edita su primer EP -“Giant”-, y un segundo -“Swim” en el que colabora cantando Bravo Fisher. En la actualidad participa regularmente en varios programas de radio, imparte cursos de DJ junto a Fiumichino y está escribiendo su primer libro dedicado al mundo DJ.

(Al final del cuestionario podrás escuchar la sesión que EME DJ realizó en el SÓNAR 2014)

Nombre de Batalla:

Eme DJ.

Estilo/s musical:

Nu disco, indie dance, house.

Herramientas de trabajo (vinilo/cd/controladora):

Vinilo con Traktor Scratch.

¿Dónde y cuándo pinchaste empezaste a pinchar?

En un bar de mi pueblo, El Indio. 1998

Festivales en los que has actuado:

Unos cuantos

¿En cuál de ellos crees que hiciste tu mejor sesión?

Sónar 2010, Arenal Sound 2013, Sónar 2014, FIB 2006, FIV 2011

De entre los que todavía no has participado, ¿en que Festival te gustaría pinchar?

En todos. Me gustaría Primavera Sound, que nunca estuve. Y volver al FIB. Y al Sónar, siempre.

¿Sueles acudir como público a los Festivales? ¿Cuáles?

Sónar, Sonorama, FIB…

¿Qué compañeros admiras o te gustan más?

David Van Bylen, Ed is Dead, Kerman, Amable, Smart, Chelis, Marc Piñol, Cora Novoa, Ley DJ, Mr! K, Simone…

Una anécdota que te haya pasado pinchando en un festival:

Me pilló un Love of Lesbian haciendo la caidita de roma en un camerino. AL ATAQUERL.

¿Has conocido a algún artista del que hayas sido fan pinchando en algún festival?

Sí, pero debido a mi timidez, en la mayoría de los casos no me he atrevido a decirle más que “hola”.

¿En qué horario te sientes mejor o más cómodo pinchando?

Por la tarde, al caer el sol.

Cuando eres el que cierra la noche, ¿Cómo te concentras? ¿Qué sueles hacer hasta esa hora? ¿Tienes alguna costumbre fija? ¿Alguna superstición?

Ir descansada, no comer nada que me pueda sentar mal.

Una canción fetiche que suela aparecer habitualmente en tus sesiones:

Depende del momento, es por épocas.

El Hit de esta temporada que te tenga atrapado:

Martin Solveig & GTA – Intoxicated (Original Club Mix)

La canción prefecta para cerrar una sesión:

No existe la canción perfecta. Estaría todo el rato buscando una mejor.

 http://www.emedj.com/

Sesión que EME DJ realizó en el SÓNAR 2014

 

 

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PROTAGONISTAS MONKEY WEEK: NUNATAK

Los murcianos Nunatak utilizan la naturaleza como leitmotiv para hilvanar su universo, y el folk barroco, exquisito y épico como vehículo de expresión. Este año han publicado “Nunatak y las Luces del Bosque”, uno de los debuts más trabajados de los últimos años, con el que se han ganado comparaciones con Arcade Fire, Sigur Rós o Mumford & Sons. Hablamos con su líder, Adrián Gutiérrez.

 

Habéis sacado vuestro primer disco tras debutar con un EP que recibió muy buenas críticas. ¿Cómo nace Nunatak y cómo llegáis hasta aquí?

Nunatak nace hace unos tres años, cada uno viene de proyectos musicales anteriores, como Los Últimos Bañistas o Bad Sugar, que en algunos casos se mantienen en paralelo. La formación ha ido evolucionando hasta encontrar el equilibrio, casi malabarista, entre los ocho músicos que componemos Nunatak actualmente.

 

Las letras de vuestras canciones transmiten emoción en clave positiva, en contraste con la tónica reinante de crispación generalizada. ¿Creéis que esta forma de pensar y de expresarse es importante para sobrellevar los tiempos tan duros que vivimos?

Por supuesto. Hoy en día hay que ser tremendamente crítico con el mundo que nos rodea, pero una actitud pesimista y derrotista no ayuda a nadie. Aunque suene a topicazo, estamos obligados a mantener la esperanza, por muy mal que vayan las cosas.

 

Es innegable la riqueza sonora de vuestras canciones. Es difícil encontrar una canción en la que las cuerdas, los vientos o las armonías vocales no complementen la austeridad de las guitarras acústicas o el ukelele y la percusión. ¿Es complicado coordinar una banda tan numerosa como la vuestra?

Sí que lo es (risas). Los ensayos, videoclips, o giras son una odisea que ni San Google Calendar puede gestionar. A la hora de componer, es todo un reto, con tantos arreglos y armonías, pero siempre es enriquecedor y tremendamente divertido, todos aportamos y vamos probando cosas diferentes hasta que damos con algo que nos emociona.

¿Cómo percibís la acogida del disco? ¿Que sentís al ser comparados con grupos como Arcade Fire, Mumford & Sons, Sigur Rós o Fleet Foxes?

La acogida está siendo genial, aún queda muchísimo trabajo por hacer, hay muchas ciudades en las que no hemos tocado y gente a la que no hemos llegado, pero estamos muy contentos con el inicio. No somos muy de etiquetas ni comparaciones, pero obviamente son grupazos que nos encantan.

 

Habéis tocado en muchos festivales, donde suelen vivirse momentos muy emocionantes si la épica de vuestro estilo llega al público. ¿En cuál de ellos habéis sentido que se producía ese efecto?

Los dos últimos festivales fueron muy, pero que muy bonitos. Lemon Pop y Sonorama, uno por la noche y otro por la mañana, ambos muy especiales. Fueron momentos de gran comunión con el público y realmente tenemos que reconocer que somos cien por cien carne de escenario grande; nos encanta, nos crecemos como banda y conseguimos transmitir mucho más.

 

¿Cómo pensáis sacarle partido profesional a vuestra visita al Monkey Week?

Pues Claudia Orellana y Tonny Serrano, nuestros padrinos musicales, trasladarán la oficina de Son Buenos al Puerto de Santa María, para que nadie se vaya sin conocernos e intentar cerrar fechas para futuras giras. Por nuestra parte, vamos dispuestos a darlo todo y, si hace falta, a hacer un poco de guerrilla musical.

 

¿Qué grupos os interesan o pensáis ver de los que hay en el cartel?

Hay algunos grupos amigos, como Royal Mail o Perro, a los que no nos cansamos de ver. Por otro lado, yo personalmente tengo muchas ganas de ver a The Handsome Family, Joe la Reina, Betunizer, Pony Bravo o The Ships.

 

 

NUNATAK

Procedencia: Cartagena (Murcia).

Formación: Adri (ukelele, guitarra y voces), Dumdaca (batería, percusión), Gonzalo (guitarra y voces), Nando (bajo y voces), Arnelio (batería, percusión), Viwe (teclados), Erin (violín y voces) y Jose Manuel (trompeta).

Discografía:

“Nunatak” EP (Autoeditado, 2012)

“Nunatak y las Luces del Bosque” LP (Son Buenos, 2014)

Inluencias reconocidas: Fanfarlo, Arcade Fire, Bon Iver, Beirut, Sigur Rós, Iron and Wine, Mumford & Sons.

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LEMON POP: MANUAL DE USO

Desde hace diecinueve temporadas, cada inicio de septiembre llega fiel a su cita uno de los festivales de pop independiente más veteranos de nuestro país: el murciano Lemon Pop. Lidiando siempre con presupuestos ajustados, en la presente edición el festival que marca el final del verano y el inicio del nuevo curso renace de sus cenizas presentando uno de sus mejores programas de los últimos años. Aunque hay actividades pre y conciertos post, el festival se desarrollará esencialmente el viernes día 5, en el auditorio abierto del Parque de Fofó, en la capital murciana. En byTHEFEST te ofrecemos un repaso completo del cartel.

 

The Spook School

 

Las brigadas internacionales
El apartado internacional lo abrirá The Spook School, banda de jovenzuelos escoceses que vienen del mundo de la interpretación -de la comedia, en realidad-, que juegan con las voces chico-chica, tienen varios singles y un álbum (‘Dress up’, 2013) publicados en el sello Fortuna Pop! y cuyas canciones han sido definidas como “un cruce entre Buzzcocks y Shop Assistants”. No acabo de ver la influencia de los primeros -aquí no hay desprecio sino buen rollo-, pero sí la de la vertiente más entusiasta y amateur del sonido C86. Sus canciones giran en torno a la identidad sexual y el movimiento queer -de hecho uno de sus componentes, Nye Todd, se define como transgénero-, aunque no parecen tomárselo muy en serio, a juzgar por afirmaciones como ésta: “Nos gusta hacer el tonto y meter mucho ruido”. De divertirse se trata, pues.

 

Habituales de los escenarios españoles, con The Pains of Being Pure at Heart ocurre lo que suele suceder con las bandas que ofrecen ejercicios de estilo, aunque estén tan bien ejecutados como en el caso de la banda liderada por Kip Berman, en realidad el único que continúa de la formación original: que es casi imposible mantener el nivel de calidad y, menos aún, el de sorpresa. Es lo que ha ocurrido con los de Brooklyn, que sorprendieron con un magnífico primer álbum homónimo en clave noise-pop shoegaze que los convirtió en una de las bandas del año. El listón y las influencias (Ride, My Bloody Valentine, The Pastels) se mantuvieron en el segundo (‘Belong’, 2011), pero la excelencia descendió un tanto en su última entrega, ‘Days of abandon’ (2014). En cualquier caso, se trata de una banda con magníficas canciones de dulces melodías sobre fondo rugoso, un repertorio todavía apetecible.

 

 

¿Recuerdan aquello de que Romario era un futbolista de dibujos animados? Bien, pues Helen Love es un grupo de cómic. Desde Swansea, Gales, y liderado por la amorosa Helen, esta ya veterana banda de chicas ha dedicado su carrera a idolatrar la iconografía de la cultura pop desde una óptica abiertamente juvenil, con Joey Ramone como Dios absoluto y Debbie Harry como su María Magdalena de cuero. Su sonido de baja fidelidad y actitud do-it-yourself se mueve de modo amateur entre el tecnopop, la urgencia del punk menos enojado y la dulzura del pop bubblegum. Míticos ya son sus dos volúmenes titulados ‘Radio Hits’. Ahora graban para el sello madrileño Elefant -el festival le dedicará una retrospectiva por sus 25 años-, para el que han entregado recientemente el álbum ‘Day-Glo dreams’ (20013) y el reciente EP ‘Pogo pogo’ (2014). Un vistazo a los títulos de algunas de sus canciones lo aclara todo: ‘Punk boy’, ‘Joey Ramone’, ‘Debbie loves Joey’, ‘Julie’s got a new 7 inch single’ o la definitiva ‘Rockaway Beach for me, Heartbreak Hotel for you’. A ver qué tal lo defienden en directo.

 

 

La decimonovena edición del Lemon Pop cerrará su velada principal con el directo de los finlandeses French Films. Han pasado por otros festivales nacionales este mismo verano dejando constancia de un directo convincente y lo cierto es que sus dos álbumes -’Imaginary future’ (2011) y ‘White orchid’ (2013)- muestran un ramillete de canciones sobradas de clase dentro de su pop oscuro y psicodélico, melódicamente notable, que remite ligeramente a The Jesus and Mary Chain, al lado menos denso de The Cure o al primer disco -ojo, solo al primero- de Primal Scream. Voces reverberadas y camisas de flores para dar la bienvenida anticipada al otoño.

El bloque murciano
Unas de las características del Lemon Pop ha sido siempre la de ofrecer una amplia muestra de la saludable cantera indie murciana, que en esta edición ocupa hasta el 50% del programa (cuatro de ocho). Así, la velada la abrirá la siempre escurridiza y recomendable Lidia Damunt. Convertida a finales de los noventa en poco menos que un icono de credibilidad underground al frente de Hello Cuca, nuestra Tormina del Mar Menor debutó en solitario en 2008 con ‘En la Isla de las Bufandas’, un sorprendente disco de country individualista e indómito. Tres álbumes después, y tras pasar por sellos como Subterfuge y Austrohúngaro, Lidia reside ahora en Malmoe, Suecia, desde donde dirige su propio sello (Tormina Records) y donde ha retomado sus orígenes surf y riot grrrl con la female band Arre! Arre!

 

Lidia Damunt

 

Entre 1998 y 2003, Vacaciones fue uno de los grupos más emblemáticos -y mediáticos, llegaron a ser portada de Tentaciones- de aquella hornada de pop amateur conocida como pop naíf, pop colajet o, para sus no pocos detractores, tontipop. Su canción ‘Poppy girl’ fue un emblema de la escena. Tras entregar varios EPs y un álbum (‘Sonreír’) la banda liderada por José Alberto Beltrán, Rafa Skam y la cantante Ruth pasó a mejor vida, aunque suele reunirse de manera esporádica para ofrecer conciertos puntuales.

 

Vacaciones (Foto: Francis Tsang)

 

Si Vacaciones representa el pasado, Nunatak se presenta con la vitola de ser uno de los grupos más pujantes del indie murciano. La multitudinaria formación cartagenera de folk-pop positivo, aireado y hasta ecologista -sus canciones inciden a menudo en la naturaleza e incluso regalan bombas de semillas anti Monsanto en sus directos- tiene registrados un EP y un álbum (‘Nunatak y las luces del bosque’), publicado este mismo año. Un tanto en la onda de los primeros Hola a Todo el Mundo, sin electrónica.

 

 

Los enigmáticos Murciano Total completan el lote. Entre el directo y la sesión, entre Murcia y Jaén, con canciones de extraña temática murciana (‘El gigante de Sangonera’, ‘El príncipe oscuro de Fortuna’) y colaboraciones de componentes de Perro, Klaus & Kinski, El Estudiante Larry o Los Planetas, la electrónica sostiene las oscuras melodías del verdadero capo del asunto: el ex Automatics y líder de Universal Circus Jose Lozano.

 

 

Otras actividades
Al principio señalaba que el Lemon Pop presentará también actividades pre y post. Las primeras se limitan a una mesa redonda con Jesús Ordovás y Adolfo Airbag, además de la citada exposición sobre el sello Elefant Records. Las segundas, a los conciertos de pago -la velada principal es de acceso gratuito- del sábado 6 en el Club 12 & Medio, a cargo de Joe Crepúsculo, The Purple Elephants y El Nuevo Acelerador. Y al de Vetusta Morla el jueves 11, acaso apropiado al coincidir con la publicación de su libro-disco-documental, a propósito de su concierto de hace dos años junto a la Orquesta Sinfónica Región de Murcia para recaudar fondos para la rehabilitación del conservatorio de Lorca, cerrado tras el fatídico seísmo de 2011. Un conservatorio que se reabrirá justo un día antes de su concierto.

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VETUSTA MORLA: “NO PODEMOS GUSTARLE A TODO EL MUNDO”

La banda madrileña Vetusta Morla ha publicado este año “La deriva”, un esperado tercer álbum que se anunció urgente en el sonido y comprometido en los textos, marcados por la crisis actual, pero que en esencia se mantiene fiel a su trabajos precedentes. El disco llega tras el “Concierto benéfico por el Conservatorio Narciso Yepes de Lorca”, que grabaron con la Orquesta Sinfónica de la Región de Murcia (para recaudar fondos destinados a la reconstrucción del centro), y de “Los ríos de Alice”, un álbum instrumental concebido como banda sonora para un videojuego. El guitarrista Guillermo Galván habla sobre el momento actual del grupo.

 

Habeis comentado que “La deriva” es fruto de la urgencia. ¿En qué sentido?

Era casi una necesidad, porque veníamos de grabar con una orquesta sinfónica y de componer la banda sonora de un videojuego, dos proyectos donde la elaboración y el arreglo definían el concepto. Al empezar a trabajar en este disco, nos dimos cuenta de que volvíamos a estar nosotros seis solos, sin ningún músico más, con los instrumentos de siempre, y queríamos tener una fe más clara en el instinto que en lo racional. La idea era intentar ser un poquito más secos, sobre todo en lo estilístico, hacer un disco más basado en el ritmo, con menos ambientes. Tanto las letras como los arreglos estaban marcados por la premura. No era cuestión de prisa ni de intentar hacer las cosas rápido, sino de dejarnos guiar por la primera idea e intentar confiar en nosotros mismos.

 

Una vez terminado, ¿responde a lo que buscabais?

Sí, totalmente. Al apostar por una contundencia mayor en lo musical, queríamos también que hubiera menos metáforas o subtramas en las letras, a diferencia de canciones y discos anteriores, aunque siempre manteniendo nuestra manera de escribir. Probablemente es el disco que más aire tiene y que más grande suena, porque hay menos cosas.

 

Las letras, efectivamente, son un poco más claras, teniendo en cuenta que solían ser bastante crípticas. ¿Tiene que ver con los temas que se abordan?

Todo va de la mano. Igual que en discos anteriores hemos jugado más con atmósferas y con capas sonoras y eso estaba relacionado con lo que se decía en las letras, que eran más metafóricas, en este disco hemos trabajado mucho el qué y el cómo, el contenido y la forma, y por las circunstancias nos parecía que era el momento de hacer un disco más directo, en el que quizá las cosas fueran menos interpretables. El reto era ser directos, pero sin perder la forma de hacer las cosas que tenemos, sin dejar de lado el trabajo con las imágenes, ciertas texturas musicales… Tiene que ver con lo que quieres contar. El disco ha sido muy urgente a la hora de componerlo y grabarlo, pero ha habido muchas reuniones previas para buscar lo que queríamos.

 

La coincidencia temporal y esas letras más explícitas han propiciado que los medios hayan asociado vuestro disco con los de Amaral y Nacho Vegas. ¿Sentís alguna conexión con ellos?

En una situación como la que estamos viviendo, hay ciertos elementos de empatía no solo con bandas, sino con un montón de gente que a lo mejor hace unos años no tenían mucho que ver a nivel estilístico pero, de repente, coinciden en la forma de ver lo que está sucediendo y de entender el mundo. No solo pasa en la música. Tanto en cine como en teatro están surgiendo formas diferentes de hacer las cosas. Y no es solo cuestión de mensaje. A veces nos centramos en que alguien pone el grito en el cielo en una canción, pero estas cosas tienen también mucho que ver con que haya tanta gente trabajando por su cuenta, sin grandes compañías detrás, siendo responsables de sus propios proyectos, planteando un nuevo tipo de industria. En ese sentido, hay bandas con las que coincidimos, aunque tengan intenciones estéticas distintas.

 

“La deriva” se ha presentado como el disco que marca un cambio en Vetusta Morla. ¿Es así?

Entendemos el disco como un cambio respecto al anterior, pero es verdad que tiene más que ver con ciertos planteamientos y enfoques que con un cambio total. Una de las cosas que nos gusta es que sigue sonando a Vetusta Morla. ¿Qué es el sonido Vetusta Morla? Pues no tengo ni idea, pero hay una cierta relación con lo anterior y un cable a tierra con todo lo que hemos venido haciendo. El planteamiento previo de producción y la manera de grabar son muy diferentes de “Mapas”. Para enfocar un disco nuevo siempre nos parece importante saber que vamos a hacer cosas distintas al anterior. Meternos en jardines que no conocemos, salir de la zona de confort, más allá de llegar a un sitio muy distinto, que no creo que sea el caso.

 

¿Os sentís culpables por las bandas clónicas que han aparecido a partir de vuestro éxito?

Vivimos en un sector donde parece que lo más fácil siempre es comparar con el que acaba de hacer algo en la misma línea. A nosotros, cuando empezamos, nos comparaban también con un montón de grupos. Y entiendo que la prensa o los críticos establezcan ciertas coordenadas. Eso es una cosa. De ahí a descalificar a grupos que están empezando y se lo están trabajando muy dignamente, me parece una falta de respeto. No es que nos moleste que les comparen con Vetusta Morla, sino que lo hagan despectivamente, quitándoles mérito.

 

Suele ser despectivo. De hecho, os habeis convertido en el blanco preferido para ciertos sectores cuando se habla de indie mainstream.

Bueno, no sé, tendrán sus motivos… Vuelvo a lo de antes. Si a alguien no le gusta Vetusta Morla, es normal, es sano y justificable. No podemos gustarle a todo el mundo. Pero de ahí a pensar que somos los responsables de sus traumas, hay una distancia. A muchos de mis amigos no les gusta Vetusta Morla. En España hay bandas de todo tipo, y si una no te gusta, a veces es más positivo hablar de lo bien que lo hacen otras que quedarte solo con lo poco que te gusta una. No es algo que nos quite el sueño.

 

Habeis pasado de “Mapas”, un concepto que sugiere una hoja de ruta clara, a “La deriva”, que significa pérdida de rumbo. ¿Casualidad?

Eso está ahí. Si lo has pensado es que hemos soltado ese cable para que la gente lo pueda tener en cuenta. Lo cierto es que “La deriva” surgió casi como un nexo de unión en un momento en que acabamos la gira de “Mapas” y nos íbamos a tomar un tiempo, porque atravesamos unas situaciones personales en las que estaban cambiando muchas cosas en nuestras vidas y nuestro entorno familiar era un poco extraño… “La deriva” nos parecía interesante desde el punto de vista narrativo, porque nos gustaba que las canciones partieran del momento siguiente a que algo hubiera fallado, ese punto en que te das cuenta de que las cosas no van a ser como iban a ser y se necesita una transformación tanto personal como colectiva para llegar a otro lugar. Era un material muy atractivo.

 

Lo que no cambia es la vocación épica. ¿Os sentís herederos de Héroes del Silencio?

Nos lo han dicho en otras ocasiones, pero somos banda muy distintas, sobre todo porque Héroes del Silencio nacen en un momento en que todavía existía la supebanda de rock, de hecho ellos han sido la última en España, antes de que en los noventa se fragmentara todo. En el sentido de tener mucha presencia, seguidores y una imaginería personal, sí podría existir una relación. En cuanto a la manera de entender la música y la estética no creo que tengamos mucho que ver, pero puedo llegar a entender que haya gente a la que le pueda recordar el fenómeno. A mi es una banda que me interesó mucho en su momento, y cuando tenía 14 o 15 años iba a sus conciertos.

 

“Fuego”, uno de los temas del nuevo disco, podría ser vuestro “Sunday Bloody Sunday”. Solo le faltan los redobles de batería.

Solemos jugar mucho con las intensidades y las dinámicas, y es un tema con un ritmo muy marcado desde el principio hasta el final, casi de corte marcial, aunque no tanto como “Sunday Bloody Sunday”. Puede tener cosas en común con canciones de ese estilo. La letra toca cuestiones muy básicas, en tanto que seres humanos, como mantener lo que nos individualiza. Habla de fuego, pero puede ser la esencia, la dignidad, un montón de cosas…

 

¿Y “¡Alto!”? ¿Cómo surgió un estribillo tan folklórico?

Es una canción que tiene un ritmo complejo, de 7×8, extraño para una canción de sus características, pero es de las que da lo mismo cantarla con una guitarra, un ukelele o sin instrumentos. Tiene referencias a música tradicional, folklórica, de otros países. Escuchamos música de Sudamérica y hay cosas que se te quedan porque son muy interesantes. Es una canción que funciona como receso dentro del disco, y habla de la gente que se ha tenido que ir, de cómo se han sentido prácticamente expulsados de su propia tierra.

 

¿Cómo planteasteis los arreglos de las canciones?

Los únicos músicos adicionales que hay son los de la sección de metal, y fue casi una transgresión, porque decidimos que no iba a haber ninguna colaboración. Al final pensamos que en “Una sonata fantasma” nos venía al pelo, teníamos una melodía de metales en la cabeza cada vez que sonaba la canción y decidimos que el concepto no fuera superior a las ganas que teníamos de hacerlo.

 

En todo caso, son arreglos que pecan más por defecto que por exceso.

Sí, eso es. Ha habido un ejercicio bastante importante de contención. La relación entre las dos guitarras ha sido distinta a “Mapas”, y también la manera de enfocar los acordes… Ha habido cosas que se han quedado en las mezclas. No grabamos mucho, está lo imprescindible. Y también hay un trabajo vocal muy importante por parte de Pucho.

 

En los próximos meses pasareis por festivales como el BBK Live, Cruïlla, PortAmérica, Low, Ebrovisión, DCode y Lemon Pop, entre otros. ¿Cómo van a ser los shows?

Hemos planteado una gira en dos partes. La primera la terminamos en La Riviera y fueron conciertos exclusivamente nuestros, en salas o espacios grandes. Tocamos “La deriva” al completo y el show está basado en el disco, aunque también tiene canciones de los anteriores. Y, por primera vez, lleva asociada una puesta en escena. Es una propuesta muy interesante, que hemos trabajado con el diseñador Maxi Gilbert y que divide el show en tres partes: Una primera de concepto más teatral, luego una más rockera y después el final. En festivales lo que hacemos es una mezcla de los tres discos que, por necesidades de guión, es más corta. Tocamos dos horas en sala y en festivales serán unos 75 minutos. Estamos trabajando en la manera de reconvertir el espíritu de lo que hemos estado haciendo en salas para adaptarlo a los festivales.

 

¿No está saturado el mercado de festivales? ¿No tocais siempre los mismos?

Aunque tiene grandes bandas, la escena musical española tampoco es tan grande. Hay tantos festivales, que es normal que se repitan los carteles, no queda otra. Pero pasa en todas partes. Si miras el cartel de Vive Latino (México) de los últimos diez años, el 80% de las bandas son repetidas. Es complicado. ¿Dónde está el equilibrio entre el mantenimiento de la escena y la aparición de nuevas propuestas que la vayan renovando? Y, al mismo tiempo, que sean atractivas para el público. Durante muchos años ha habido un boom de festivales y es verdad que a veces tenías dos a 40 km de distancia con los mismos grupos. Eso es inviable, una saturación evidente, pero también es cierto que aunque sea de una manera más tímida que en otras ocasiones, están saliendo bandas. Pienso en León Benavente, que es gente que viene de otros grupos, pero el año pasado sacó un disco, empezó a tocar y va a ser uno de los platos fuertes en festivales este año. O Fuel Fandango, que están siendo casi de cabeza de cartel en muchos sitios… Hay que darles tiempo, pero los festivales necesitan permeabilidad para que salgan nuevas bandas. Pasa en España y en todos lados.

Eduardo Guillot

Fotos: Jerónimo Álvarez

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